艺术与设计 » 设计 http://www.artdesign.org.cn ART DESIGN Mon, 30 Dec 2013 08:01:47 +0000 zh-CN hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.4.1 廖晓玲: 日常行为空间论 http://www.artdesign.org.cn/?p=11828 http://www.artdesign.org.cn/?p=11828#comments Mon, 30 Dec 2013 06:56:33 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11828 您可能也喜欢:
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廖晓玲的个人品牌“Content目录”的官网首页是iPhone手机的形式,点击进入可以看到有建筑、时装等几个分类的动态信息。这样的小细节让人一下子觉得这个品牌跟日常生活有密切的关联,好像一种对城市生活的记录。而这一点也是“Content目录”向来所强调的——用一种开放与独立的姿态,集结不同领域的设计师与创作人,用多种方式表达对城市文化的理解。所以可以将“Content目录”理解为一种容器,在廖晓玲看来,它是用以展示时代精神的一部不完全的“目录”。

廖晓玲原本是建筑师,从她的履历表上可以看到,2001年她获得同济大学城市规划硕士学位,同年成为RA ARCHITECT STUIO合伙人,并担任主要建筑师7年。这是一段相当长的从业经历,直到2007年她的兴趣点发生变化,组建了RA DESIGN STUDIO,尝试在全新的领域内表达文化价值观。很快,2008年她就推出了“Content目录”这个品牌,至此完成从建筑师到服装设计师的完美转身。俗话说,隔行如隔山,在没有任何服装设计相关经验与学习背景的前提下,廖晓玲究竟为什么会选择在职业生涯中做出如此大的转变呢?据她所说,早在上大学之前,她就在建筑与服装两个专业之间纠结过,尽管当时还是选择学了建筑,但在她内心深处可能从未放弃对服装设计的兴趣。“其实我还是蛮喜欢做建筑设计的,但是因为建筑的周期很长嘛,其实那种方式对我的压力还是蛮大的,而且我感觉我的性格当中相对自由的那一面其实是不断地在缩减,而且同时在建筑设计领域里自己的设计也碰到了很多困难。那时候差不多是做了七八年了,我在形成自己的设计风格和自己的一套方法上面也有点瓶颈的感觉,所以我那个时候就有点厌倦。”

在这个过程中,廖晓玲坦言自己曾经多次萌发过转行做服装设计的冲动,但她还是在反复考量,包括薇薇安·韦斯特伍德在上海外滩一栋楼里做过的一个展览也让她觉得受到了刺激。“因为做过建筑师嘛,那种英雄主义的情结会重一点,当你设想一个品牌或者任何一个有想象空间的东西都变成实物,而且只是一件衣服的时候,其实它的语汇还是不像建筑那样有说服力的。”当时她犹豫了,自问将来真的要做服装设计这个职业吗?“看着一堆起球的布,因为衣服是很容易衰老的,无论你怎么去保存,它如果不穿在人身上,你把它当作一个展览放在博物馆里面还是挺可怕的,它就没有很活的气息。”这时她已经做了六、七年建筑师,觉得自己越来越中性,在这个节骨眼上,怀孕作为一个“正当的理由”,让她可以从前的工作上脱离出来。“我就说我不想上班了,这个理由大家都能接受,我自己也能接受,那个时候我就开始静下心来想这些事情。”

生完孩子后,廖晓玲跟妹妹一起在上海进贤路上开了“Content目录”的第一家店。那是2008年5月的事情,中国的原创设计领域还不像如今这样热闹,而这样一个全新的独立设计品牌要如何存活下来也是个大问题。面对市场,廖晓玲的想法打从一开始就很客观。“那个时候还有一个原因就是长乐路上开了很多店嘛,我就觉得这种模式多简单啊,跟盖房子比太简单了,我全天候场,自产自销,产业链很短。”她认为服装行业不像建筑业那样,需要跟各种企划、地产、政府、承建商、材料商……去协调,这个“很传统、没有那么社会化的行业”胜在够直接,可以最大限度排除掉过程中的变数,直接用作品与市场和大众对话,甚至“比艺术家还好,不用进入画廊体系”。于是事情就这样开始了,最早并没有特别明确的方向,只是想做一些和影像相关的创作,这一特点后来一直延续至今,并且成为“Content目录”的每场秀上最吸引人的亮点之一。

“Content目录”2014春夏系列名为“集成机器”,与艺术家邱黯雄合作,灵感来自廖晓玲与邱黯雄对《景观社会》一书的讨论。居伊·德波四十年前写的这本书现在读起来仍然觉得直指现实,因为当今社会的景观化倾向在人类进入二十一世纪后不仅没有减弱的趋势,反而愈演愈烈。并且随着商业化的深入,中国社会的景观化也变得越来越直观,也就是越来越肉眼可见。比如铺天盖地的商业宣传以影像形式广泛传播,而它们正是割裂表象与本质的手段。表面上看,大众似乎获得了更多的信息,而事实上反映事物本质的信息却无法传达给受众。

因此,“景观”成为了一个幌断造成表象与本质间的隔阂。廖晓玲与邱黯雄一直在寻求最直接有力的方式来表现如此综合的主题,这次双方的合作突破了创作领域的界限,廖晓玲采用艺术家的作品主题来作为服装的主要影像符号,邱黯雄的多媒体作品《发展》首次离开传统的美术馆,放到“集成机器”系列在上海时装周的秀场。

和从前一样,“Content目录”每季的设计都是从主题影像开始,对廖晓玲而言,这已经成为一种习惯。“我必须要有一个主题,我觉得有一个主题之后你才能够做深度发掘,你才能收集各种、了解各种,这个过程对我来说很有意义。”无论城市还是身体,有着惊人相似的功能结构,并有序地组织起来,完成共同的使命,城市地图和身体系统结构图是这种关系的图形化反映。而由人类复刻的集成电路剔除任何无效因素,更极致地表达了这一关系。“Content目录”一直坚持“功能逻辑创造最美形式”的审美哲学,因此,“集成电路”作为这一季的影像符号,更加直观地传达出廖晓玲对景观社会的思考。“我爸爸是一个电气工程师,我不太了解集成电路的规律,就打电话给我爸爸,我说集成电路有什么特征,他就会给我解释,说你哪个东西画的不像。因为这个里面有一些逻辑的嘛,虽然我画的最终也不是特别像,因为形式感也很重要,你就会觉得这个东西很好玩。”

“集成线路”系列的所有线条均为廖晓玲重新设计,以得出更符合服装的感觉。“我得处理它的平面和转折面的关系,可能会有不同的电子元件的比例,包括有的图是用CAD画的,就是把我之前在建筑学里理性的东西,加上我对时尚的敏感度,我觉得还是比较得心应手的。” 而本季在服装设计上也采用了多种工艺方式来凸显影像质感,包括丝网印刷、数码印花、刺绣、绣印结合等手法,甚至采用施华洛施奇水晶来展现这种硬朗的逻辑美感。“我这次采用施华洛世奇的水钻来表现电子的原色,这种冲突感我特别喜欢。因为大家一想到闪亮的东西就感觉各种华丽、各种土豪,我觉得这样的元素放到很酷的图形里面就很好。施华洛世奇的人也都吓着了,说没有想到你会这样来用,而且你会发现它里面其实有各种图案,我们可以理解为条纹、波点,就是你把它翻译成大家熟知的、经常穿到用到的图案,这样的话接受度自然会高,而且也会美,处理起来也不会那么难驾驭。”

廖晓玲说,“我没有学过服装,我是用建筑设计的方法来做服装设计的。”对她而言,建筑与服装可能并没有太大的差别,只不过是思维投射的结果不同而已——一个让人住,一个让人穿。她总是希望作品能够跟人发生最大限度的关系,同时又需要最大限度的自我表达。谈到做工作室后的思维变化,她觉得整个团队在不断进步,这一点是特别重要的。“有的时候还是会发牢骚,因为很累,一季一季的一直往前推,很累,也不知道累是为什么。虽然经济上的负担对我来说可能还好,我的内容就是让它平衡,当然也希望发展,即便是我自己不介意公司的盈利,我也能够体会到我的员工们不断希望公司有变化,所以责任感就又来了,也觉得还是要好好做,让他们都有更高的收入,整个团队感觉在不断进步,慢慢觉得这还是必要的,不像一开始纯粹就是想成立一个工作室随便玩。”■(编辑:九月)

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叶宇轩的跨界和整合 http://www.artdesign.org.cn/?p=11808 http://www.artdesign.org.cn/?p=11808#comments Tue, 24 Dec 2013 05:49:12 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11808 您可能也喜欢:
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叶宇轩的跨界可谓是真正意义上的跨界,从广告创意总监、平面设计、产品设计、珠宝设计到空间改造,如今这个不安分的男人又开始他的“和木一生”家具产品系列开发。不久前,叶宇轩带着他的第一批“和木一生”家具参加了北京量在尤伦斯的群展。

2005年叶宇轩辞去了百万年薪的创意总监的工作,毅然决然地开始了产品设计的转型。那个年代,中国工业设计领域出现了一批独立设计工作室,经过近10年的发展,这些公司已经成为中国产品设计领域的中流砥柱,叶宇轩的Yehidea就是其中的一员。

经过两年多的精心策划,“和木一生”终于于2013年推出。其实,早在“水滴壶”刚刚获得红点奖,并受到了各界赞誉的时候,叶宇轩已经开始思考关于“木头”的产品。虽然,那时他已经熟稔于陶瓷这种材料,并且在唐山拥有了自己的窑,工厂规模、产品质量都已经达到了巅峰,但是“不安分”的他,一直对木头有着很深的情结。“2012年,我参加了很多活动,担任策展人、评审、嘉宾、讲者……这些杂七杂八的事情占据了我很多时间和精力。我的公司大约有半年时间没有推出任何新的产品。”回顾过去,叶宇轩说:“我一直没有停止思考。”在设计界有这样一种说法:再有名的设计师最后还是要设计一把椅子。就像广告人要做一支汽车广告,摄影师要拍一组珠宝产品。“因为设计椅子是最困难的,人们要用全身去感受这件产品,而且要经得起时间的考验,要有品味、有功能性。”

“实木是最自然的。我用简约、人性、多功能组合的实用设计,来表现人与自然、空间的和睦一生。”让使用者感受到温暖、质朴、隽永的生活方式,体验人与自然天人合一的共生关系。叶宇轩采用实木制作,利用木材本身的特性,传承中式榫卯结构,无任何金属构件,达到了完全环保的目的,也展示了当代的东方韵味。

 

从广告人到设计师,从评审到策展人,从陶瓷到实木家具……叶宇轩的跨界是实实在在的跨界。然而,跨界看似机会多,实则很难。

 

跨界,有时候也是“破界”,打破设计师以往固有的界限。“中国的市场并不成熟,大多数甲方有财力却缺乏想象力,他们往往会局限于设计师固有的设计领域去合作,很难有人愿意去挖掘设计师的潜力。”在设计界摸爬滚打数十年,叶宇轩接触过很多客户,涉足的领域也超乎想象。之前20多年广告行业的从业经历给了他很多历练,叶宇轩坦言:“我以前从事的广告行业就很跨界,我本身也是一个为全人类产品服务的广告人。那时,我上一个会议还在跟团队讨论汽车广告,下一个就有可能是红酒,甚至是尿不湿。我们每天都要切换不同的频道。有时候是我在切换客户的频道,有时候是客户在切换我的频道。已经习惯了。”跨界本身需要设计师拥有丰富的生活体验,仅凭想象是无法得到完美的结果的。而这种习惯的养成,为叶宇轩后来的跨界设计提供了很多养分。“跨界于我,也是一个学习的过程。我坚信‘有容乃大’,设计是场人生的修行,过程既辛苦也幸福,我很享受也很感恩。”叶宇轩就像一块海绵,不停地在吸收和释放生活给予他的一切。

在今日美术馆2号馆改造项目中,叶宇轩首次接触了美术馆空间的改造设计项目。“我提出了‘八方云集’的概念。‘云’这个概念不分古今、不分中西,它是一个无界的元素,柔软、包容、自由,有想象的空间。”叶宇轩用白色的软膜材料包裹住随机定点的突起填充物,原本坚硬的墙壁变得柔软而富有弹性。这与美术馆原本生硬的空间形成鲜明对比,浮云状的墙壁、桌椅,像装置艺术般与整体环境紧密结合。叶宇轩的诠释让这个300平米的空间变得更有想象力,也更包容。这种态度也是他看待生活的方式,在纷扰嘈杂的现实生活中,叶宇轩总能将自己置身于纯净而充满哲思的世界里。

 

无论是水滴壶,还是“和木一生”,“好用的艺术品”一直是Yehidea品牌不变的定位。多年来,叶宇轩以人性、人文、自然、自由的情感和一贯的减法设计并结合理性功能为创作内涵,颠覆经典、再造经典。“创作不能等同于金钱,要具有超越的价值。”叶宇轩坦言:“创作带给我惊喜、乐趣和精神的提升,这也是我想透过产品分享给消费者的感受。”这是叶宇轩的创作态度,也是他的生活态度。

 

如今,对于涉足瓷器、木材、硅胶等多种环保材料领域的叶宇轩而言,“整合”成为他最大的挑战。“我是以跨界设计师的身份在工作,其实说到底,跨界设计师兜售的是自己的想法和创意。”其实,在国外,只出售想法的设计大师屡见不鲜,企业在得到了好的想法之后,也会一力承担开发、制作及销售等后续事情。“但是在中国,像家居、餐具等产品设计行业并没有那么成熟,大多数产品设计师需要‘一手包’。”这也正是叶宇轩开始考虑“整合”的原因。

如何整合?叶宇轩有着自己的小算盘:“我正在筹建和木一生及Yehidea的体验店,从空间到家具、小摆设,都是Yehidea出品。”在Yehidea产品越来越多元化之后,也进入商场以及艺术品商店进行销售。叶宇轩设计了很多和生活相关的东西,大到空间、家具,小到茶杯、U盘,这些物件身上都潜藏着深深的“叶氏DNA”。 但叶宇轩并不满足于此:“体验店对我来说更有家的感觉,我希望从里到外能为大家量身定制一个家出来,而不仅仅是商店里的一个产品。家的意义越来越重要,人们对家的要求也越来越高。科学家预测说,如果中国人也要像美国人那样住人均200平米的话,那么需要20个地球才够用。所以,现代人对家具的多功能性要求也就越来越高。我希望能打造一个有情感、有美感的家出来。”当然,对于叶宇轩而言,产品的整合是一方面,还有工厂的整合、渠道的整合。“对于一个产品设计,最重要的是设计、产品质量和营销渠道,这三个方面是我一直倡导的’黄金三角’。不能只做设计,再好的产品如果只能被博物馆收藏那么也体现不出设计的价值,设计还是要走入生活为民所用。”

 

文 Article > 刘杨 Liu Yang;图 Pictures > 叶宇轩 Yehidea;编辑:樊宏烨

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极简外表下的设计话语 http://www.artdesign.org.cn/?p=11794 http://www.artdesign.org.cn/?p=11794#comments Thu, 19 Dec 2013 03:02:21 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11794 您可能也喜欢:
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看瑞士人的设计,似乎与日本人有着相似的禀性。他们都有着先进的工业生产技术,但是都不背弃传统的手工技艺;他们始终认为,无论工业制造的技术多么发达,手工制造的诸多优良特性,却是永远无法被取代的;他们因为国土和资源条件的局限,物质生产从最初就暗示了省料与耐用,一直延续到今天,这便是他们的民族印记,而每项手工技艺的开始,都是先民对世界最初样态的积极应对。

设计师Florian Hauswirth,生于1976年。作为瑞士新生代设计师的中坚力量,他的作品有着鲜明的民族特性——结构最简最优化,材料最小最节约,功能最巧最舒适。形式简约,但思想却不简单,透着对社会深刻的思考。从原木到纸到羊毛,他忠实于选择天然的材料,自然不会丢弃原始的手工技艺。他认为,工业制造本身便是手工制造和机器制造的结合体,因此,在工业生产过程中,手工部分也极为重要。材料和手工的温情,可以改变产品的工业化生冷感,因此,Florian Hauswirth希望通过自己的设计,唤起人们对材料和手工制造的记忆。

Florian Hauswirth设计的产品从座椅、灯具延伸到餐桌用具,无一不透露他节俭却不失温情的设计哲学。

Florian Hauswirth在座椅设计方面的代表作品当属MWC 座椅(Minimal WoodChair),是极简主义的最好例子。这一作品受先辈伊姆斯夫妇设计的MC座椅的影响,但与前辈的“最小”设计相比较,Florian Hauswirth所采用的材料更减省,重量因此更轻盈,提携也就更方便。简单的原木,自然的纹理,结构优化到只剩三条椅腿,而窄窄的椅背,亦将材料用到最省,但在这极其简单的结构外表下,功能与舒适度并没有降低,实现了物品的最优设计。

Frame Seat阅读椅是Florian Hauswirth座椅设计的另一代表作品。他采用巧妙的结构,将材料与结构整合优化,同样使座椅的重量十分轻盈,同时,在细节考虑上,将靠背与坐垫采用钮扣结构设计,可以自由拆卸,方便用户拆洗。观来看,视觉感官并没有因为材料的减少而产生心理不安感,相反,它的结构布局反而给人一种安全感。

Florian Hauswirth的极简设计还表现在对物品的“二合一”组合理念的运用。在餐桌产品Doubleface和Tableware系列的设计中,Florian Hauswirth采用“合二为一”的产品应用思路陶瓷材质的二者组合,两部分组合在一起成为一种工具,分开各司其职。这一组合方式大大节省了安放空间,构思极其巧妙。

在关照传统手工艺的同时,Florian Hauswirth亦不忘记融汇与创新。“变色毯”(Color Flow)便是这样情境中的最好作品。古时候,人们会采用烙铁给家里的牲畜做上烙印以示标记,在这一作品中,Florian Hauswirth亦采用这一办法将原本浅刻在地毯上的图案,烙印显现。由于地毯为100%羊毛材质,烙铁与其接触,颜色随温度发生变化,接触的图案印记瞬间灰燃,原本浅刻的图案轮廓因烙烧变得清晰。

材料通过手工技艺表达情感。柳宗悦先生曾说,手与机器的根本区别在于,手总是与心相连。因此,手是情之所系。在“极简”那看似冰冷的外表下,FlorianHauswirth靠材料和手工艺制造温暖,单从这一点看,单纯的机器生产是不能实现这种温暖感的,这便是手工制造的魅力,Florian Hauswirth正是想通过这一点,来唤醒工业社会中人们对手工制造的漠视。

在资源日益稀缺的全球化语境下,“设计”更需要的是Florian Hauswirth这样的“极简”设计师。时代走到这里,“极简”便有了新的语意,它不是形式上的最简化那样简单,它需要表达的是对资源的责任,是尽可能少地消耗,它是为了更长久的生存环境而倡导的最绿色的设计理念和最理性消费行为的指引。面对我们所处的资源、环境与社会,我们理应建立这样的话语。■(编辑:九月)

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设计营商周 完美画上句点 http://www.artdesign.org.cn/?p=11789 http://www.artdesign.org.cn/?p=11789#comments Thu, 19 Dec 2013 02:02:33 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11789 您可能也喜欢:
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经过三天内容精彩的论坛以及多场讲座后,亚洲设计年度盛事2013设计营商周于2013年12月7日在香港会议展览中心正式落下帷幕。

 

今年设计营商周联同伙伴国比利时,通过为期3天、云集全球70余位顶尖设计师主讲的主题论坛,为观众分析了世界设计最新趋势。除邀请享誉国际的顶级设计师出席外,更云集了众多比利时建筑和商业领域的重量级嘉宾,并且获得遍布世界30多个国家和地区的观众的支持和参与。在最后一天的「文化与城市」主题中,本届设计营商周论坛顺利落下帷幕。

 

颁奖晚宴画上完美句点

当日晚上举行的香港设计中心周年颁奖晚宴使设计营商周的活动气氛达到顶峰。颁奖活动由香港设计中心主办,每年均通过「设计领袖大奖」、「世界杰出华人设计师大奖」以及「亚洲设计终身成就大奖」等奖项表彰和支持在设计、创意和品牌等领域具有卓越表现的个人、团体与项目。近千名来自海内外的商界领袖、设计大师和学术专家出席了此次颁奖晚宴。

 

在论坛即将接近尾声之时,2014设计营商周的伙伴国瑞典做了推介演讲,而观众亦在意犹未尽的同时,开始期待下一届活动的精彩看点。

 

关于「设计营商周」

「设计营商周」是香港设计中心自2002年起每年举办的国际设计界瞩目盛事,旨在推动国际设计与商界的紧密联系,鼓励商界发掘更多优秀设计和创新思维的商业价值、潜力和人才。「设计营商周」每年均吸引来自设计、商界、中小企及教育界等全球优秀的设计精英汇聚香港,就现时全球最关注的设计议题举办不同类型的展览、国际论坛及设计外展活动,为设计师、商业领袖、教育者、中小型企业及普通大众提供交换意见的机会,为21世纪的商业发展构建更加广阔、难得的交流平台,是享誉世界的年度设计盛会。

 

时间:2013年12月2日——12月7日

地点:香港会议展览中心

官方网站: www.bodw.com

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创意与灵感里的随意生活 http://www.artdesign.org.cn/?p=11776 http://www.artdesign.org.cn/?p=11776#comments Mon, 16 Dec 2013 04:52:01 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11776 您可能也喜欢:
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文 Article > 路明 Lu Ming;图 Pictures >托马斯·卡尔 Tomas Kral

说到瑞士设计,大多数人会联想起斯沃琪(Swatch)、欧米茄(Omega)与劳力士(Rolex)等手表品牌与瑞士军刀(Swiss Army Knife)外,大概还能想到的就是这些精准的工业产品留给人略显呆板的冰冷印象。然而,在更深入一点了解所谓的瑞士风格(Swiss style)之后,原来,瑞士的设计与生活如此紧密联系。那种精细的制造能力和对质量近乎吹毛求疵的文化,也都是源于瑞士人对美好生活的一种追求。

出生于斯洛伐克的产品设计师托马斯·卡尔(Tomas Kral)是一位横跨动画、平面、日用品设计产业的多面手。2006年,卡尔从瑞士洛桑艺术与设计大学(University of Art and Design Lausanne,简称ECAL)本科毕业之后,又继续在ECAL获得了奢侈品设计的研究生学位。无论是他个人名义的创作,或者是与同学合作为ECAL推出的作品,在国际的设计展上总能吸引不少关注的目光。卡尔设计的作品,从风格上与许多瑞士本土设计师略有不同。他的设计除了具有瑞士制造产品的精密细致之外,还能给人一种趣味。让日常生活更轻松惬意,使得人们得以挪出更多时间活得漂亮精彩,是托马斯·卡尔对他自己设计工作定下的标准和目标。卡尔习惯将几个不同的创意点子通过技术和设计整合,然后用最恰当实用的手法展现出来,不仅让作品更贴近现代生活所需,也更具有丰富的使用趣味:能一边削土豆一边看电视的托盘,不会有受潮结块砂糖的糖罐,派对上结合了软硬饮料的酒壶等,这些都让使用者可以更随意地享受生活乐趣。

从卡尔手中诞生的设计作品,总是处处透着一种亲切的幽默感,同时却又很实用,不浮夸。俗话说,艺术源于生活。卡尔认为,设计亦是如此。“我是那种喜欢细细观察周遭一切事物的设计师,无论白天或者黑夜我常常试着从最细微的地方找出现代人生活的其他需求,有时候我也会像一个好奇的孩子一样,把所看到的这些东西用诗或者图画般的艺术元素把他们融合在一起。”卡尔说。而在每次进行创作之前,平时这些慢慢积累起来的灵感和创意元素全部都会派上用场,最后用设计的语言把它们放在一起,就像是对使用者诉说一个轻松诙谐的故事。

解决生活里遇到的问题,是产品设计师必须给予自己作品的硬标准之一。卡尔设计的Homework系列,是一组由木板和铝合金构成的工作台。铝合金边沿实际是一整块金属压制个特异形状的桌布覆盖在桌面上,周边卷起的部分正好成为了收纳细小物件用的凹槽。当桌面再次覆盖上一层木板后,Homework工作台就不仅具有了普通木质工作台的桌面,还有着三边金属的边沿。安全感,收纳能力,耐用性一应俱全。翘起的桌子边沿可以防止细小物件掉落和收纳的功能,还可以稳定地摆放书本,便于工作的时候参考翻阅。

如同卡尔自述的一样,很多时候他就像是一位富有童心,对于生活充满好奇的小孩,有着满脑袋的奇思妙想希望得以实现。1/4笔筒就是这样的一个创意收纳用品系列。卡尔用很简单的线条,勾勒出了每秒的曲线:一个金属彩色圆筒,中间用一段弧形的金属片进行了区隔,一边是3/4,另外一边是1/4,既方便使用者放置两种不同的办公用品,又使得自身看上去就像是一艘张着帆的小船。而另外一个名为小丑鼻子(Clown Nose)的收纳瓶系列也是很好的例子。

卡尔注意到人们经常被马戏团小丑逗笑,而他们滑稽的大鼻子最能给人留下深刻印象。他将这个典型形象放到了小丑鼻子收纳瓶的设计中:圆柱形的收纳瓶上方用弹性皮筋绑上了一个软木圆球,充当其盖子,颇有些小丑鼻子的神韵。盖子打开后,还可以扣在后方的凹处。它有着让人忍俊不禁的有趣外表,还有着使用的功能,被皮筋连接在瓶身的软木球也不用担心丢失。卡尔创造过许多这种贴近日常生活所需的设计,但是他却并不确定仅仅依靠设计就能彻底改变人们的生活。但是这些好看、好玩、用起来很舒服的设计品,不论功能或视觉上,都可以和使用者建立某种特殊的情感。这看起来很简单,其实却是设计师最难做到的。

卡尔的设计风格在以严谨和精准为特点的瑞士设计领域里十分独特,而这种年轻成功设计师的出现并不是一个个例。瑞士在设计方面拥有很精彩的过去与传统,这两个元素也是构成它作为世界上经典设计的要素。因为大部分的瑞士设计品牌都在瑞士本土设立工作室,并和当地的工厂合作生产。而大部分的瑞士公司愿花多一点的预算与当地的创意人合作,也因为对于每个环节的注重让目前“瑞士”成为高品质、创意传统与当代设计的代名词。这样的背景为新生代设计师造就了一个优质的品牌发展环境,而大部分公司与设计师之间长久以来的合作模式,也为众多类似卡尔的年轻设计师提供了更多的机会。■

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在瑞士这样一个有着悠久家居设计历史的国家里,他们对于设计、制造、持续发展这几个概念之间的相互关系有深刻的理解。设计与环保的话题早就不是新奇的话题了。瑞士Postfossil设计公司不仅仅集成了这些瑞士设计的优点,相比冷酷死板的传统瑞士风格,还更加富有一种设计师独有的浪漫,富有情趣。

在Postfossil这支非常年轻而富有激情的设计团队里,所有的设计师都对于材料的使用和对结构的思考都很成熟、考究。每年的各大设计周和家居展上,Postfossil的作品都让人印象深刻,他们打破了人们对于瑞士设计的刻板印象,很巧妙地从材料,设计造型,甚至能源转换等方面发挥创意,为瑞士设计塑造一种新的形象。说起Postfossil这个名字,公司创始人克劳蒂亚·海尼格尔(Claudia Heiniger)和汤玛士·瓦德(Thomas Walde)认为他们的设计商品有着能够改变人类生活的力量。“当有一天,地球不再继续供应石油,人类的生活会有什么变化?”他们就是一直以这样的思考为所有的设计创作出发点。

在许多设计展览、研讨会与设计竞赛上赢得过各种殊荣的他们,依然记得第一次参加米兰家具展拿下媒体评审团大奖的时刻。获奖的那是一件叫做firstlight的照明落地灯,神奇的是它并不需要电源就能正常工作。设计师安娜·布拉特(Anna Blattert)和丹尼尔·贾夫纳(Daniel Gafner)将老式挂钟齿轮的杠杆原理用在了落地灯的设计里,使用者在借助拉扯重锤的手部运动,将动能转化为势能。在重锤缓慢下落的过程里,势能又转换为供给灯泡所需的电能。这个落地灯的设计充分地展现了瑞士人追求实用、热爱自然生活和运动的特点。这在汤玛士·瓦德和佛罗瑞恩·豪斯维尔斯(Florian Hauswirth)设计的Things that make you move系列家居设计上也可见一斑。

Postfossil的设计并不是都依靠科技手段达到环保的目的。灵活多变的组合柜Container system1530就是个很好的例子。它是团队中的法国设计师丹尼尔·贾福纳尔(Daniel Gafner)设计的。它由边长15到30厘米的小木柜组成。粗犷又易于堆砌的外表使得它尤其适合存放那些又大又厚的书籍。因为这些小木柜是可分开的,搬家时也不需要再用额外的箱子,同时它还有多种组合方式。

极具创意地材料的手法常常出现在Postfossil的设计作品中,但不同于一般设计团队的是,他们一直保持这手工制作方式。设计师们放弃了奢华的装饰,用尽量节省的材料和他们的新奇创意,创作出真正有思想和发展前景的家具。但他们从不将这些作品投入工业化生产,也不进行大规模的销售。人数众多的设计团队,加上数量众多的设计作品,似乎并没有太多人记住Postfossil这个品牌的名字,而是记得他们的优秀设计。

Q > Postfossil团队有多达10名设计师,在这么大的一个设计团队里,你们是如何决定品牌定位与风格的?

A > 说Postfossil是设计团队,不如说她是一个开放的设计平台。这里每个设计师都有自由创作的权利,不过这两年下来经过无数次的开会与讨论,不知不觉中竟也发展出一套品牌专属的特色风格与思考模式。在我们大部分的工作创作中,为使用者的考虑一向是重要的指标,积极向上的气氛一直是Postfossil想要通过设计传达给使用者的信息。

总的来说,Postfossil的创意将我们聚在了一起。我们都认同品牌的定位和大致上想要最后呈现的感觉——大胆的材料运用、环保设计概念并带点隐喻,所以无论案子由哪一位设计师负责设计,最后的结果并不会有特别大的风格差异。我们也并不是平时一点异议都没有,经过最开始两年间不断的磨合,我们才慢慢地从每个人的创作风格中抓出品牌总体的定位。

Q > 你们认为瑞士设计的特色是什么?有什么具有典型代表性的设计元素么?

A > 我们觉得瑞士设计都很严肃,基本就是简洁利落、强调细节和高质量,这和我们长久以来引以为豪的精细工业或许有关。瑞士地处几个国家中间,有为邻邦皇室制造手表或者珠宝等昂贵商品的历史传统。新一代的瑞士设计师也受到信息时代的影响,在保持传统追求精工质量的同时,设计上吸收了许多新的元素,风格也大胆起来,作品越来越夸张亮眼,也更具批判性。■

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设计触发生活灵感 http://www.artdesign.org.cn/?p=11718 http://www.artdesign.org.cn/?p=11718#comments Mon, 09 Dec 2013 02:59:29 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11718 您可能也喜欢:
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用设计放大生活中的美好

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文 Article > 路明 Lu Ming;图 Pictures >米洛·凯勒 Milo Keller

 在家具设计领域里,设计应当扮演的角色一直是人们讨论不休的话题。曾经,设计被过于简单地当成了解决生活中遇到问题的方式。但是,在物质如此丰富的时代,人们需要的就不仅仅只是解决问题这么肤浅的答案了。仅仅提供造型与功能的家具产品似乎已经不能满足人们对于设计寄予的期望。对此,瑞士设计师约克·波尔(Jörg Boner)有着很独特的观点,他认为设计师的首要任务在于创造氛围、回忆以及给予人类某种刺激。设计师在让产品使用者体验到感官刺激的同时,还应该赋予自己作品更多的情感影响力。

这位在瑞士家具设计领域内有着改革浪潮先锋称号的设计师,曾在Basel(巴塞尔)这座位居法、德、瑞交界的欧洲中心城市接受教育。或许正是因为地处欧洲中心的缘故,约克·波尔(Jörg Boner)深受20世纪80年代在欧洲兴起的设计风潮影响,他的设计风格和理念很早就已经成熟。早在1998年,他设计的AJAX餐桌就赢得了比利时欧洲设计精选与iF设计奖。这使得他在其个人品牌成立之前就已经受到欧洲设计圈的大量关注。

“设计家具不该是创意的终点,在创作概念被完整呈现于作品的同时,我更期待看到使用者因为这件商品而激发出更多的生活灵感。”曾被媒体冠以“瑞士最具视觉与功能性家具设计师”头衔的约克·波尔认为设计作品不该只是满足创作人虚荣的产物,而是能够为使用者带来便利,甚至启发人们创意生活的催化剂。2001年成立了自己的设计品牌没多久,波尔再次拿下了iF设计金奖、Good Design最有价值奖与科隆家具展的最佳材料运用等奖项。他一直强调设计是一种过程,最重要的部分是为使用者带来的影响。这个理念在他众多的设计作品中表现得十分明显。

约克·波尔在展现个人一贯的美学简约风格的同时,赋予作品不设限的功能性,将决定权交付给使用者,让人们自由选择这件设计品的具体属性和功能。波尔在2007年受邀为瑞士著名家具品牌Wogg联名创作的椅子Wogg42就是这样一件作品。他运用各种缠绕方式创造出单人椅的不同风貌,并带给使用者在乘坐之余另一种穿戴衣物的乐趣。这种出乎意料的设计思路经常能从约克·波尔的作品中见到。他在进行设计之初就会尝试忘掉脑海中对于某种家具造型的既定印象。例如,他为德国家具制造商COR设计了名为Bahir系列的沙发。Bahir有别于一般的沙发,在于它的靠背和座位并没有明确的界限是呈现为一体化的盆状。它的框架由实木制成,表面软垫上的对角式缝线处理则让沙发看上去就像是它的椅面中心具有一种引力一样。使用者不再需要规矩地坐在里面,或者尴尬地尝试使用沙发扶手作为躺着时的枕头,人们可以更自由、更舒适地使用它。

与其他产品设计师一样,约克·波尔对于产品形式与最新制造工艺的结合也十分考究。在2011年米兰家具展期间展示的Wogg 50椅就是这方面很成功的典范。这款椅子不仅造型轻巧,互相可以堆叠,并且其功能也非常多样性。该椅的椅面从四个边缘部分进行弯曲,并在各个适当的部分将其靠背和椅腿包拢起来,铸模成型的胶合板材料使整件作品显得简约而时尚。Wogg 50椅的支撑结构经过一种压制工艺被附加到椅壳上。压制胶合板成型原本是一种较为古老的制造技术,而近几年迅速发展的数控加工技术在很大程度上优化了这种制造工艺。因此,一些复杂的模块部件如今也可以经过打磨工具直接从整块的胶合板上制取。新的工艺为波尔的产品造型和设计提供了更广阔的创新和发展空间。

约克·波尔的设计常常让人感觉出乎意料,但是仔细想来,它们又完全符合瑞士设计朴实、服务生活的理念。瑞士洛桑艺术设计大学(ECAL)的校长皮埃尔·凯勒(Pierre Keller)曾经形容瑞士设计:“看似古怪令人不知所措,但在了解其功能后便会不自觉地对设计师的创意深表认同。”身为瑞士家具设计师代表的约克·波纳更是将这种设计精神完全运用在了自己的作品中,印证了现代瑞士设计师对于创新和用户体验至上的追求。

Q > 你曾经称自己没有特定的设计风格,那么在创作时你最重视什么?

A > 在我的认知里,设计与研发工作都需要大量不同专业的人力投入,而这整个过程中我最感兴趣的便是每件设计案在主题、内容安排与策划上的相关工作。对于每个原创概念,我都持着开放并且尊重的态度,但因为设计案最终还是需要满足客户需求或符合某种特定使用场合,甚至同一系列商品的风格,所以在选用的材料、手法以及实际内容上还是需要多少做些修正。

Q > 当你开始设计椅子系列时你脑子里会想什么?

A > 我会问自己,如何产生与椅子设计有关的一步。这个有关的一步是指什么?椅子的工业制造过程仅仅是一种二维技术。为了达到更为复杂的三维效果,我们将重点放在了衬垫的折叠感上。这和一件精美的服装一样,关键是布料的选择和褶皱的表现,而绝不是量的多少。

Q > 你是否有习惯到产品生产的现场去进行监督?

A > 没有。不过,在与Thermos合作设计水壶的过程中,我们工与中国的生产商经常使用电邮、电话、skype等方式进行交流。Thermos公司也曾经派人来到苏黎世拜访过我们,并在工作室和我们待了三天。压铸工艺的质量和制作过程的专业依然是我今天最看重的标准。■

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设计源于对改变的渴望 http://www.artdesign.org.cn/?p=11693 http://www.artdesign.org.cn/?p=11693#comments Thu, 05 Dec 2013 05:52:17 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11693 您可能也喜欢:
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以设计改变世界?

设计触发生活灵感

“瑞士新锐设计不只来自瑞士”
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文 Article > 王若思 Wang Ruosi;图 Pictures >Bernhard Burkard工作室

麦克风一般的扬声器

面对功能主义的Bernhard Burkard,笔者也只能开门见山:让BernhardBurkard一战成名的是他们的产品设计:“Ballo Speaker”,这是一个非常简单的球形扬声器,基本可以适用于所有的音频设备。从技术上讲,Ballo是由两个铝制半球和一条彩色的橡胶带组成的,球的底端你可以看到接线的插头。当电源被插上时,扬声器便自动开启,充电也采用同样的方式。麦克风一样的球状外形使它视觉上十分新奇与有趣,而且可以被自由地悬挂、放置在任何地方。

“在设计Ballo的时候,我们想要的是一个便携的,完全方便使用的产品,球形是一个基本的想法。可以说‘麦克风’是我们设计的灵感来源。”富宾恩介绍说。将一个和音乐相关的、经久不衰的日常用品的标志性形象和扬声器设计连结在一起,绝对是Ballo大获成功的一个重要原因。“在拿到第一个样品时我们发现,出乎设计时的意料, Ballo的‘彩色腰带’还可以传出音乐的震动感。也是因为球形的缘故,当它躺下时,低音表现甚至更加出色。因此,设计的过程就像一个探险,你随时可以发现许多意想不到的惊喜。这也是设计令人充满激情,如此独特的原因。”

得益于杰出的设计和香港制造商OYO(Object You Obsess)精良的制造工艺,Ballo不仅斩获了米兰萨隆国际家具展“A’Design设计奖”的白金大奖,在商业上也获得了巨大的成功。目前,Ballo已经在世界各地销售,并且颇受欢迎。在OYO网站上人们可以看到,每一只Ballo的价格只有35USD,比Iphone的原装耳机还要便宜,这也是它畅销的另外一个原因。套用苹果公司出品Iphone 5C时的一句话:这是一款每个人都能买得起的产品。

虽然“每个人”的说法多少有些夸张,但是Ballo的价格优势来源于设计师在设计之初对于制造成本的把控。在工业和家具设计领域,托马斯和富宾恩一直认为设计师在设计产品时便要综合考虑到产品高效的制造流程、低廉的制造成本、便捷的组装方式以及目标消费群体的使用习惯。因为设计不能只是看起来漂亮的产品,美学和商业上的成功同样重要。

“不是消耗大量的成本才能制造出高品质的产品,这是一个极大的误区。我们相信好的设计应该是追求聪明、有创造性的问题解决方式和集约、高效的资源管理方式。并且除了在造型上,也可以在其他为使用者带来益处。”托马斯说。

Ballo是Bernhard Burkard与香港制造商OYO合作的第一款产品。在谈及与香港制造商合作的时候,富宾恩和托马斯表现出瑞士设计师在制作方面强大的沟通精神和实践能力。

“我们很乐意和那些拥有悠久历史和优良制造工艺的品牌合作,但与此同时,与那些新生的品牌合作更让我们惊喜:新生品牌往往更具有革新精神,并且对那些完全新颖的设计持有更加开放的态度。就我们的经验来说,中国的设计品牌和制造商一般比瑞士的工作得更快。他们邮件回得更快,决定做得更快,制作上绝对是快得更多。但是在达到我们想要的品质方面,却要花上更多的时间,需要更多的耐心。但是他们最终可以做出非常棒的产品。”托马斯说。

“在瑞士的情况是,设计师往往需要更多的时间去和品牌进行讨论并说服他们认可自己的设计。总体来说我们非常喜欢和中国大陆与香港的品牌合作。这里有着强大的生产能力和各种各样的可能性,非常有助于设计师,特别是年轻设计师的发展。就香港来说,我从来没有见到过一个狭小的地方可以将那么多东西汇聚在一起,并且运行得如此顺畅和井井有条。”

生活与事业上的伙伴

托马斯和富宾恩相识是在FHNW(瑞士西北应用科技大学)读书时合作的一个学期项目,那个时候他们便发现两个人一起合作的潜力。“我们没有讨论彼此擅长的领域,但是我们非常默契,我们总是能进行深入、有效的讨论,并将项目快速推进。此外,我们在一起度过了美好的大学时光,一起吃吃喝喝、享受生活对我们来说同样非常重要。一起组建工作室的想法也是那个时候开始的。”富宾恩愉快地回忆。

当接手一个新项目时,托马斯和富宾恩通常会各自开始构思想法、绘制草图,然后再坐在一起进行讨论。通常的情况是:一个人会从另外一个人的草图里生发出更好的点子,然后一步步地改善最初的想法。当然,作为同性伴侣的好处是,睡前的闲谈和月下散步也是他们进行集体讨论的好时机,而且不少独特的创意就是这样产生的。“我们相信作为一个设计师组合,在方案的设计阶段两个人共同讨论、协作是非常富有成效的工作方式。因为在将方案给客户之前,两个设计师已经可以互相提出问题,充分质疑和讨论——这通常都是客户的活儿。”

在巴塞尔的FHNW学习工业设计之前,富宾恩曾学习过工程设计专业。这使他对于工程技术有着很好的了解,懂得如何将一个好的想法变成一个好的产品。托马斯则曾经在苏黎世就读经济和社会学史专业,最后转到FHNW和德国艺术与设计大学学习工业设计。在FHNW毕业后,他们没有选择马上在一起工作,而是先在不同的领域积累实践经验。富宾恩在沙夫豪森的一家广告公司担任设计总监,托马斯则在很长一段时间为香港著名的设计师迈克尔·杨(Michael Young)工作,在文化差异和设计理念上,托马斯都受到在香港工作和生活的很大影响,这也是他非常看重与中国大陆和香港品牌合作的原因。

Bernhard Burkard在瑞士没有固定的工作室,托马斯和富宾恩主要生活和工作于瑞士北部的沙夫豪森、巴登以及巴塞尔,这些安静的小城都有着得天独厚的绝美风光和广阔的国际化视野。沙夫豪森坐落于莱茵河右岸,是IWC万国表总部的所在地;巴登则是世界著名的温泉胜地,每年在这里举办的Fantoche国际动画电影节是世界上最重要的国际动画电影节之一,而巴塞尔钟表展和艺术博览会的大名更是早已蜚声世界,有着极好的经济条件和艺术氛围。可以看出富宾恩和托马斯非常享受在这些城市的生活:“在这些地方做设计是十分幸福的事情。我们很享受在安静并且组织良好的地方工作。这有助于我们将注意力专注在设计与创新上,而网络的发达也让我们可以随时随地为世界上任何一家品牌工作,无论它在哪里。”

用品质追寻永恒

在托马斯和富宾恩看来,瑞士设计也许并不以夸张和绚丽的外表取胜,但它绝对是高品质的代名词。瑞士设计师们对于品质和细节的追求令人侧目,它的分量在于设计师的概念和大胆的思考。实用、经典、坚固、轻便、锐利,瑞士设计拥有它的军刀一样的品质。

“瑞士设计偏好优雅、简洁的外形,因为这是一种永恒的设计语言。它让设计更加优良,经久,不会像那些时髦的东西一样很快过时。”这也是BernhardBurkard对自己设计风格的诠释。

在2013年米兰家具展卫星沙龙展上首次展出的地灯“长颈鹿”(Giraffe)是他们最新的灯具设计作品。这盏灯外观硬朗、简洁,运用了交叉的剪刀结构和曲线造型,看起来像一只伸长脖子的长颈鹿,或者是暗箱照相机。认为“材料本身就拥有自己的性格”的富宾恩和托马斯用黑色金属质地的灯臂和木质的支架,将冰冷的工业感和家庭的舒适度完美结合在一起,而良好定性和伸缩性几乎让它可以适用于所有场所。

另外一件家具设计作品“简”(Curt),是一张由四根木条和一张帆布组成的躺椅。它用最简单的方式将躺椅的功能性和它所服务的环境结合在一起。“简”使用时必须斜靠在墙壁或者围栏上。尽管看上去有些危险,但稳定的三角形结构和精准的角度设计让人们依然可以舒舒服服地坐在上面放松或者读书——当然,前提是要先找到一面墙。

Plama则是一件成人和小孩都可以玩的玩具,或者说是装饰品。它由12块不同颜色和外形的磁性拼版组成,人们可以按自己的喜好排列它的顺序。将Plama挂在墙上,北欧人所特别偏爱的鲜艳色彩和几何图形,使它具备了一幅抽象派画作的所有元素。托马斯认为,“Plama可以激发人们的创造性和逻辑思维能力,提升人们对于二维空间和结构的认知,这些简单的几何轮廓是一种示意,让人们在复杂的思维中找到最简单、完善的方法。”

Bernhard Burkard可以说是瑞士新一代设计师的缩影,他们经受过良好的设计教育,拥有杰出的设计才能,并且善于和世界各地的优秀生产商和设计品牌合作,创造出“如瑞士军刀和钟表般的”高品质产品。正如瑞士新锐设计展的策展人之一皮耶尔·凯勒(Pierre Keller)所说的:“人们可以毫不犹豫地说,瑞士是设计界中的佼佼者。一旦你了解了瑞士设计教育(无论是在苏黎世、巴塞尔还是洛桑)的高质量、重要性和原创性,你就会明白为何整整一代优秀的设计师会出现在这个国家,且他们已经为其富有创意的产品进行全球推广做好了准备。”■(编辑:曾莉莉)

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阿德里安·罗夫洛: 设计里的绿野仙踪 http://www.artdesign.org.cn/?p=11676 http://www.artdesign.org.cn/?p=11676#comments Wed, 04 Dec 2013 06:01:03 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11676 您可能也喜欢:
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理性设计与感性玩耍

阿德里安的家乡是一个瑞士的小乡村。雪山碧野的地缘性,造就了设计师与生俱来的简洁审美;而优渥的社会条件和文明程度,更是使这里的人们愈发注重生活质量和品质细节。这种混合的标准影响到他们生活中的每一个细节:小到一个勺子,大到一辆汽车——所以这里的产品设计冠绝一时。

尽管成熟的工业社会发生了许多变迁,但产品设计师无疑仍旧算得上是一种全能职业。在这个行业里,无论是材料的选择,物体结构的制作,色彩的运用,细节的琢磨,都具有象征意义、需要严肃思考。然而,在产品设计师阿德里安·罗夫洛的概念里,设计师们都是像孩子一样的人。他们天真地爱自己的生活,把玩自己的玩具,同时迷恋着这一行业多面性。

因为乡村生活的惬意悠闲,阿德里安在还是一个小男孩的时候,就喜欢动手制作各种东西。在做过很多实验之后,他发现身边的每一个物体都是具有生命的,都有着自身的特点甚至“想法”,但并不是所有的物体都使他“满意”。这时的他满脑子主意,救世主的抱负蠢蠢欲动,试图通过自己的改造,赋予每一个身边的物体更完整的意义。于是14岁的时候,阿德里安正式决定要成为一名设计师。

和许多曲线救国的设计师一样,阿德里安并不是一开始就从事产品设计,他学了很多年室内设计。只是渐渐地,他把注意力从“空间”转移到了“物体”上——据说是想和生活本身紧密协作。从此,生活中所有细小的物品都可以成为他设计的开始:口袋里皮革的碎片可以联想到小动物,桌上的一小片橡胶又可以取代皮革。设计成了一种环环相扣的生命演化——这不同寻常的理解带给阿德里安一个好的起点。

后来,阿德里安开了一个工作室,在那里,他为客户和自己设计产品和项目、画图、做研究。每天的生活就是发现美,并在工作中升华美。善于发现美本来就是设计师不可或缺的习惯——走在路上,抬头看看天空,蓝天中的蓝色和白云的白色,也许就是下一个产品中的主色调。阿德里安谙于此道,但他不想点破,他把这种生活称为“每一天的旅行”。

“每一天都是旅行。就是不管是去大自然、远离尘世的山区,还是去做一份工作,都是一段不同形态的旅行。这种旅行概念总是提醒我,不管从事什么职业,只要把它看做是一段旅行,就应该好好地享受旅程。途中的快乐与所得是终点站无法比拟和拥有的。”阿德里安·罗夫洛这种全盘接受的工作心态,使他的设计始终有一种奇异的童真、快乐,和跃的安详”。

设计平衡木

但是在产品设计中,还是有很多严肃的议题。侧重功能性还是美观性的互辩,就一直是工业设计中很经典的一个问题,也是设计变化发展的主要动力。在阿德里安·罗夫洛的作品里,所有的设计一定是具有某种功能的,但却不会局限于功能,因为他笃信功能只是物体的一部分。但对物体诸如美观之类的“感知”、产品的生产方式、延续使用的时间,还有实际的体验,都是很多人在潜意识里更加关注的。单“感知”这一项,就大有门道。

但是设计中如何运用感知的预测呢?阿德里安举了个例子:“比如色彩是最体现美感的元素,它似乎在每一个产品未形成之前就已经存在,而在产品形成之后,又去揭示产品。在我们的日常生活中,任何一件服装、饰品、家居生活用品中,色彩都是体现美感和设计概念的利器,重要性日益明显,但是这并不代表它可以作为掩盖平庸设计的工具。”如果说生产、延续、时间、体验的恰当比例,体现着产品设计有别于其他设计的理性之美;有节制地挥洒美,则体现着设计师的自我要求。

不过一回溯到创意上,顽童阿德里安又露出了本来面目。按他的说法,在创意上什么理论根据都不重要,“好奇心”才是首选“天赋”。“其实每一个领域都是紧密相连的,可以互通的。作为一名设计师,对事物和每个领域的好奇心很重要,好奇心可以促使你去观察不同的物体,不断积累感觉。视觉重叠的参考,加上对不同物体制作流程的研究,积淀混合下来,落实到具体的产品设计个案时,设计也就出来了。”阿德里安说,产品设计就是一块海绵,不断地吸水、吸水,最后可以膨胀到你无法想象的沉甸甸。

于是生活经历便成了阿德里安·罗夫洛创意的主力来源。“当我们回顾自己一步步走来的历程,也许就是一本很好看的小说,也许是一部精彩的动画,设计师在理智的创作过程中,把缕缕经历感性地加入,产品才有生命情感,更贴近人的感受。”每一个产品背后,都应该有故事,这就是阿德里安·罗夫洛说的“有背景的设计”。设计概念和应用属于两个不同的范畴,要在他们中间找到平衡,理解情境是很重要的。单纯地赋予产品理念,往往枯燥单薄。

也许每个产品设计师都有“雌雄同体”的一面。他们理智得很有力量,感性起来却又“不可理喻”。阿德里安面对记者洋洋洒洒的最后一个问题只用了两个词作为解答:Have fun(开心就好),问题本身是什么似乎一下子变得毫无意义。的确,作为一个设计师,不仅仅在设计产品出产的那一刻会收获欣喜,在设计过程中也能感受到的每一个不可预知因素的“虐恋”。做下来的,都痛并快乐着。但是阿德里安会一直满意自己的设计并且沉浸在设计过程的快乐中吗?也不尽然,任何一件事情都会存在曲折或者不愉快的事情,比如说时间,比如说不太投缘的客户。但是恰当的管理有时候反倒会促进创作,阿德里安如是说。设计的快乐,某种程度上在于限制”。■(编辑:曾莉莉)

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用自己的字体做设计 http://www.artdesign.org.cn/?p=11658 http://www.artdesign.org.cn/?p=11658#comments Mon, 02 Dec 2013 05:08:53 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11658 您可能也喜欢:
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文 Article > 王菲宇 Wang Feiyu;图 Pictures > Aurèle Sack

LL Brown是Aurèle Sack独立设计的第一款字体。在此之前,这个活跃在平面设计界的年轻设计师,并没有参与过任何字体设计的工作,甚至这第一次尝试,也并非完全在计划之中。故事开始于2006年10月,当时Aurèle Sack正在纽约工作。在那里,来自苏黎世的设计师、出版人Lex Trueb与Aurèle Sack共同开启了对新字体的研究。不过到了2009年,随着Trueb的退出,这一创作就由二人协作成为了Aurèle Sack的个人功课。

独自完成一个完整字体的设计并不轻松。“我有很多平面设计工作,很多时候我需要完成我的其他工作,因而字体设计就常常被推后了。”Aurèle Sack这样解释,而更重要的是,作为自己向字体设计界交的一份答卷,Aurèle Sack试图尽一切努力,让作品接近完美。

LL Brown包括四种字形(加粗、常规、轻和极细),四种斜体字。除此之外,Aurèle Sack还为这一字体打造了相应的数字字符和扩展拉丁字符库。这个过程耗费了Aurèle Sack整整四年时间。

四年时间没有白费。2010年,也就是LL Brown完成的当年,Aurèle Sack就因此获得瑞士联邦设计奖。奖项的官方网站不仅特意以LL Brown字体进行排版,还刊登了一篇热情洋溢的颁奖词:

“一个人可以既跟随现代主义的脚步,又开发出一种完全符合当代精神的字体吗?来自洛桑的字体设计师和平面设计艺术家,Aurèle Sack用他的字体 LLBrown完美地回答了这一问题。”

在评委们看来,从Aurèle Sack的LL Brown字体中,可以寻觅出很多20世纪早期流行的无衬线字体的痕迹。“在着手设计时,我就确定了方向,要延续英国和德国Grotesks无衬线字体的设计传统。”在英国设计师Edward Johnston的作品中,Aurèle Sack获得了灵感。

字体设计界里Edward Johnston拥有祖师爷一般的地位。他作于1906年的《写字、装饰和文字造型》,几乎影响了半个多世纪的欧洲字体设计。1913年,他应约为伦敦地铁设计了一款字体。这一字体不仅大获成功,获得各界一致好评,更第一次向人们昭示了字体与企业形象之间的潜在联系。它简单明了,似乎完全未经装饰,但同时又得体、庄重— — 完全符合伦敦地铁所需塑造的形象。

LL Bwn并非为企业量身打造,却将一个世纪前无衬线字体的特点融汇贯通。在Aurèle Sack看来,虽然在自己设计的这一字体中,Edward Johnston和Arno Drescher两位设计前辈的影响显而易见,但是他从来无意于对已有字体进行重复设计。

LL Brown是一款崭新的字体,他的形状和粗细与EdwardJohnston的字体相当,但被注入了符合当代审美的特性。字体虽复古,却更简洁。在设计中,Aurèle Sack用更现代化、更逻辑化也更数字化的方法去雕琢每一个细节。这一字体的常规形态要略大于其他字体,以使阅读更方便;斜体字统一以10°倾斜,并且拥有三种倾斜方向。LL Brown的获奖让Aurèle Sack获得了关注,也带来了一些意想不到的收获。Aurèle Sack将一些字样印在了帆布袋和T恤上,作为字体展示的一部分。帆布袋很快就被朋友们一抢而空。这更激励了他进行新的字体设计。

他以颜色命名自己的三款字体。LL Purple的创作几乎与LL Brown同时开始,但这一款字体的灵感来源比LL Brown更久远。Aurèle Sack与Norm的一位平面设计师合作,对19世纪初就开始使用的Antiqua字体进行了研究。因为两位设计师都对Antiqua字体样本中的7磅字尤其感兴趣,因而这款字体虽然灵感来自经典字体,却又对既有字体进行了重新阐释。

2 011年,LL Brown和LL Purple 被Aurèle Sack一起放到了字体网站HYPERLINK上。在这个网站上,LL Purple使用的字样是“Love it or hate it”(爱它或恨它)。但这款纤细秀气的字体,却让人很难恨得起来。

另一款命名为Blonde的字体尚在设计中。仍旧是老字体,这一次设计灵感来自于19世纪末法国字体厂商Deberny & Peignot字体样书中的一款古老的法国字体。“我不喜欢古老的字体”,Aurèle Sack半开玩笑地表示,“只是过去的人们把很多事情都做完了。”

让Aurèle Sack自豪又忧虑的是,自己出色的同胞们,已经完成了足够多的工作。1954年,Univers字体问世,三年后,Helvetica字体诞生。如今他们已经成为了世界上使用最广泛的字体。伴随着这两种字体,为受众和目标服务的“新瑞士风格”刮遍了全球。

“我们有很多很强劲的著名字体。在今天的瑞士,也有很多非常棒的平面设计师和编辑设计师,他们的设计水准很高,这会激励你做出能与他们比肩的优秀设计。”这也是Aurèle Sack热衷于字体设计的原因。“作为一名平面设计师,我希望能将自己设计的字体运用于我设计的书籍、杂志和其他作品中。我也宁愿做一些文化领域的设计,尽管这些工作远不如商业设计赚钱。”

Aurèle Sack的字体确实在一些设计中大显身手。LL Brown为周末副刊DasMagazine的改版添上了浓重的一笔。这一字体同样出现在ECAL(洛桑艺术大学)校刊上——当然并不仅仅因为Aurèle Sack是这所学校的毕业生和老师。2009年开始,毕业仅仅五年的他开始在洛桑艺术大学教授字体设计和编辑设计。“能够有机会看看下一代能够变出什么魔法简直太棒了。”■(编辑:樊宏烨)

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