艺术与设计 » 时尚 http://www.artdesign.org.cn ART DESIGN Mon, 30 Dec 2013 08:01:47 +0000 zh-CN hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.4.1 Unseen: 发现摄影 http://www.artdesign.org.cn/?p=11483 http://www.artdesign.org.cn/?p=11483#comments Wed, 06 Nov 2013 02:40:54 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11483 您可能也喜欢:
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无觅 ]]>
文 Article > 王佳琪 Wang Jiaqi ;图 Picture > Unseen

Unseen是一个新兴的国际摄影节,她自2012年始立,每年一次,在荷兰的阿姆斯特丹举办,今年刚为第二个年头。Unseen,意味着“未曾发现”,摄影节以此命名,从字面即能看到用意所在,她旨在发现新生的摄影力量和挖掘之前被埋没的摄影作品,挑战前人,给摄影人以激发和鼓励。2013年,Unseen在阿姆斯特丹市的Westergasfabriek公园举行。

Westergasfabriek公园打着深深的历史烙印。这里曾是一个废弃的煤气厂,建于19世纪。污染严重,上世纪六十年代开始停产、荒弃。1997年,这个工厂旧址开始被转向改造为主题文化公园,类于798和苏州河。公园整体设计包括工厂遗址和邻近公园两大主体,有着广泛的公共文化空间。Unseen 2013摄影节便是在这样一个空间展开,组织者尽力打造一种“家”的氛围,让观者拥有更多的认同感。

去年,Unseen的参展方式主要为画廊代表参展,共有50个画廊、165名代表摄影师、450余幅作品参展,超过22000名观众观展。今年,将有超过50个国际画廊参展,除了去年的参展画廊,纽约的Aperture Foundation 、巴黎的 GalerieEsther Woederhoff、杜塞尔多夫的CONRADS、阿姆斯特丹的Galerie FonsWelters、莫斯科的Pobeda Gallery和开普敦的Stevenson亦加入到Unseen中。而除了这些画廊代表参展之外,今年还有艺术家自发项目参与其中,在Unseen中,观众还会看到由Lucid-ly、MELK、Nest 和Polly’s Picture Show选出的参展作品。

中国面孔

在Unseen这场跨越全球十几个国家的摄影视觉盛宴中,有一股强大的视觉力量来自中国,他们为梁卫洲、骆丹、阿斗、黄晓亮、编号223和任航。

梁卫洲关注工业景观,他的摄影作品与其早年的绘画紧密结合在一起。1962年,他生于上海,这位在美术界颇具实力的油画家在近二十年的摄影创作中形成了独具自我风格的艺术语言。最早从1990年的绘画开始,他已开始了绘画与摄影之间的视觉语言探索。他善于捕捉细节,画面细腻,在绘画与摄影的探寻中确立了自己的语言。他将传统布面油画的画幅运用在摄影创作中,将黑白胶片与主观着色相结合,如油画,风景独立。他对大场景的关注和小细节的描画相辅相成,沉静满张力。

1968年生于重庆的骆丹以“路上”纪实作品出名。其作品《素歌》中,骆丹运用了始于1850年的传统湿版火棉胶摄影技术,19世纪中叶非常流行的一种摄影技术,它能够帮助摄影师获取精美的细节,但是其繁杂的人工曝光和冲洗过程也导致了该技术在本世纪末的衰退。他花了数月时间带着便携式暗房行走在中国云南省的偏远山区。骆丹的作品保持了摄影过程的纯净, 带着对摄影过程和主题的尊敬,展示出了他在很多中国经济尚未发展地区发现的乡村生活的美;在那里,村民们的生活方式大部分仍保留着几百年以来的完整。

阿斗的作品,倾于宇宙自然。他的摄影创作带着些许随兴而做的达达主义式和“我在故我思”的存在主义式境界,以一种极致直觉和坦诚的方式完成这场与内心、时空、和观者多个维度的深度对话。移轴和反焦的技术的使用,使得4×5的大画幅黑白胶片上的影像褪去现实的物理属性,达到超现实的意境。作为艺术家,阿斗具有对镜头语言的强大掌控力,纯熟的暗房制作技巧,却可以超脱技术本身,他的作品充满内省的表达和探索。

作为年轻一辈的黄晓亮,《艺术与设计》的读者应该不会陌生。他的作品充满故事性,以黑白为惯常表现色彩,运用剪影般的视觉语言形式,制造犹如皮影戏的画面感。黄晓亮的作品有着与他年轻不相符的厚重,对传统技术的眷恋,也使他的作品在年轻一代中独树一帜。他怀念湘西的山清水秀与浓重且不乏野性的人文情怀。他眷恋让人感到神秘而生趣的民间活动。他的摄影,用一些看似怪诞的景致来表达自己的失落感,不仅是我个人的,也是时代的。

他说,野性可以让事物美丽而忧伤,也可以使得世间忧虑而彷徨;人与世间的力量不可避免的致使某些美好的事物陨落,直到悄悄地被人遗忘然后又想奋力地挽回;就好像使劲地刨了一抓土尘,捏在手里很怕漏掉,着实无力的终究还是要漏掉一部分的。

编号223——这个取自于王家卫电影《重庆森林》里的人名代号,本名为林志鹏,生于广东。他的作品与黄晓亮有着截然不同的青春色彩。他关注新生代流行文化和生活状态,其作品透着虚妄、甜蜜、桀骜、暧昧与赤裸。他为多本时尚创意杂志如《Vice》、《S》、《GLASS》、《城市画报》等担任摄影,亦与UnitedNude、eno、Converse,、Glaceau Vitamin Water等商业品牌合作,2007年曾创办独立时尚杂志书《TOO MAGZINE》。编号223,让人联想到更多的是当下年轻一代的流行文化,代表时下年轻人对新鲜事物的追求与青春姿态。

任航的作品则更加的不羁,青春与性——在他的创作中贯穿始终。1987年,他生于长春。或许是更为年轻,他的作品表现得更为主观与大胆,对情色的拿捏与把握,难免会让人联想到荒木经惟,时不时将二者放在一起对比,荒木面对任航的那种年轻姿态也很会败下阵来。况且,任航还会他时不时吟两句诗,他的诗与其摄影一样满是情色。

新锐面孔

新锐,是Unseen的重要一面,从材料、内容到技法,艺术上评判新旧的标准放到这里亦是如此。除却这个标准,年轻亦是谈论的资本。因此,结合这两重因素,我们可以看到Unseen中一些别具一格的新鲜面孔。

Wynolt Visser制造了一个影像幻境,这个空间,犹如电子迷幻乐在耳畔回旋。这位荷兰本土的摄影师,在摄影之前,他学的专业ICT多媒体技术。2007年毕业之后,他开始进入密涅瓦的艺术学院正式学习摄影和平面艺术。他将之前学习到的电子知识与他之后热爱的艺术,通过对纺织面料的巧妙运用,将二者完美糅合到了一起。而至于为什么会想到用纺织面料作为其表达的媒介,是他母亲一生所从事的纺织工作,让他有了大胆的设想。

Julia Hetta镜头下的肖像,有着维米尔式的静谧神态。这位来自瑞典的女摄影师,2004年毕业于荷兰阿姆斯特丹的Gerrit Rietveldt学院。近些年,她一直被欧洲的时尚杂志频繁推介。她以镜头作画,古典油画的神韵跃然眼前。她擅长制造一种安静深邃的图像氛围,这种氛围有时会压迫观者的视觉感官,但是,制造出的图像却是唯美、浪漫而细腻的。她擅长色彩的调控,彩色作品着文艺复兴时期的腔调;她偏爱黑色背景,黑白作品中,黑色总是最深厚。

对于Ina Jang来说,当空空的场地映入她脑海的时候,瞬即变成一个巨大的白色画布,然后,她完全陷入到这个画布的世界中。这位2010年才毕业于纽约视觉艺术学院摄影专业的韩国姑娘,其作品企图打破平面摄影图像的二维空间,通过一些道具的简单制作,到达视错效果,给观者不一样的空间维度感受。她的画面干净、简洁,那种维度的到达,自然而然,毫不做作。

美国摄影师Chloe Sells的作品满是夏威夷风情。她擅长运用图像拼贴技术,将风景、色彩与物体重构,呈现一个美轮美奂的细微世界,给观看者带来最直观的美的感受。她将捕捉的图像,在自己的暗房里重新加工,将它们层层叠加,制造出美丽色彩与纹理,惊叹于它们的自身魅力,同时,她反思我们生活的环境,她希望人人都能领略大自然的美和拥有欣赏大自然的权力。

这就是Unseen,前所未有的摄影盛宴,她发现摄影,发现世界。■(编辑:九月)

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李筱: 严肃而甜美的棉花糖 http://www.artdesign.org.cn/?p=11444 http://www.artdesign.org.cn/?p=11444#comments Mon, 04 Nov 2013 03:20:45 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11444 文 Article > 蘑菇 Lando ;图 Picture > 李筱 Li Xiao

1987年出生的李筱刚满26岁,像许多同龄人一样,她喜欢四处游历,也拥有着属于自己俏皮的小女孩世界。而这个剪着齐刘海短发画着红色眼线的小姑娘却又没那么简单,手握着英国皇家艺术学院硕士的学位,又在今年一举夺得举世闻名的 ITS(International Talent Support)比赛中Diesel 大奖。前手被天后王菲在微博上赞美连连,几天之后新系列就出现在了范冰冰的身上,也正像她的作品一样,这朵彩色的棉花糖如同一颗甜美柔软的炸弹在时尚圈砰然出现。

摩登针织衫

在意大利的海港小城特里亚斯,享誉世界的ITS(Internat ional TalentSupport)比赛紧张进行着,经过众位最终入围选手的走秀展示,中国女孩李筱的面孔出现在当晚最大奖项Diesel大奖的屏幕上。她的作品像是最甜美可口的小点心,将在场的观众们带入了一个愉悦的梦境。而专业的评审们,更是为这种新型的摩登针织廓型所折服。

如同注入了轻盈的空气一般,这些有着水彩般恬淡色彩的针织衫们有着不可思议的软雕塑廓型,流畅且丰盈的线条让身着它的模特们仿佛来自糖果王国。这个系列是设计师李筱对偶像克里斯托巴尔·巴伦夏加(CristóbalBalenciaga)的一次致敬,我们依稀看到那些美好年代中有着高级定制廓型的茧型外套,然而却在一个晃神间它变作了李筱手中一种全新而不可思议的组合。摩登针织衫(Modern Knit)是李筱这个系列的中心理念,为了突出现代造型的概念,她找了许多现代的元素拼在了设计里面。比如俏皮的装饰领和嵌边、时下最为摩登的比例,或是那一双双令人莞尔的透明马丁靴。

制作过程远不像这些作品看上去那样简单。单是打破传统针织,创造出一种全新的“针织视觉”就让事事亲力亲为的设计师头疼不已。李筱也坦言说,在历经5个月的设计与制作过程中,除了制版和织布,最辛苦的部分正是对于这种特别材质的把握,刚开始只是一个实验的过程,用不同的机器玩,最后找到一个对的材质去体现自己的设计,并使之达到一个美观与舒适手感的平衡——可以说这是对自己多年工艺制作一个新的挑战。而系列中那些看似梦幻轻盈的色彩更是她无数次试验配比后的结果。在搜集灵感之前这些颜色就已经进入她的脑海,但将它们分毫不差地染出来无疑需要最为精准的调配。在最终呈现的效果里,每个颜色都染到了3、4遍以上,她非但要确认这些毛线的颜色精要保证它们放在一起不会冲突。

李筱的整个设计过程就像是一次炼丹炉:巴伦夏加式的建筑感廓型、水彩蜡笔的配色、还有浸硅针织的先锋工艺、在无数次再设计和整合后浑然一体,而最终的效果超乎了所有人的预料:它欢快、简单,却又直指人心。

风格无关加法或减法

看过李筱设计的人多少会被其中可爱的天马行空所打动,那一件件衣服像是会说话的童话故事,映照出设计师幸福快乐的童年回忆。这位来自青岛的小姑娘从小就有一个设计师的梦想。喜欢美丽东西的她最初的想法觉得时装设计师是一个很优雅的职业,却完全没想到会这么辛苦。所幸她拥有着非常开放的父母,李筱自称:“我是一个在愉悦的环境下成长起来的小朋友,而爸妈又是那个年代思想上非常超前的人,只要他们认为这个事情是对的,他们就会尽最大努力去支持。”自此她握起了画笔与剪刀,远渡伦敦去追寻儿时那个优雅的梦想。

来到伦敦的李筱像是一块海绵,悄无声息地吸取着这里最为传统的服装手工艺精华,而这座城市潮湿而自由的艺术空气,又悄悄打开了她毛孔中一个个艺术触角。从学校的图书馆,到她最爱的泰特现代美术馆(Tate Modern)和维多利亚阿尔伯特美术馆(V&A Museum),每一个角落都能化作她灵感中最新鲜的点子;至于周日大大小小的市集则让她认识了来自世界各地年轻设计师与艺术家,每一次谈话都像是设计世界里的一次乌托邦式旅行。她认为很多时候没有必要刻意寻找灵感,更多地关注生活中发生的事情恰恰会带来更多的惊喜。生活中很多精彩的细节,她都会加入到设计中去。“这样做出来的东西很真实,也可以打动人。”李筱这样透露着自己的灵感小秘密。

许多国内的时尚专业人士开始关注李筱,是从几年前创意星空的舞台上开始的。那时的她与现在一样留着齐刘海短发,有着略微稚气却又非常坚定的眼神。设计中那些糖果般亮眼的色彩与布偶般几何大块面的夸张廓型让她从不少学院派的设计师中脱颖而出,而彩色毛线编织的精巧手工与天马行空的小细节更是她最为标志性的个人风格。其实李筱的参赛也充满着偶然性,彼时是她在本科毕业后给自己放的一个小假期,在回国休息的一个月中就去报名比赛,却没想到最后进入了5强:“当时想着比几个礼拜就可以回家休息,然后去读研究生。其实心里也觉得我的风格应该不适应国内的比赛,完全是以休假的心态去参加的。”这次小小的试水让李筱式的设计引起了人们的注意,而她似乎也没有顺势媒体所带来的曝光率建立自己的品牌,而是重新回到了学生生活。

几年后再次出现在公众视线的李筱,显然作品的风格日臻成熟完美。相较如今的简约大气,她却并不认为成熟的设计风格是做加法和减法。到现在她还是很喜欢本科毕业作品的某一部分,那更像是她彼时的一个状态和心情。而研究生的作品风格,是她在念研究生时期给自己的一个目标:简单实穿,同时有许多摩登现代的元素在里面。“至于说加法减法只是一种技法的变化,这取决于你想以什么样的方式打动人。之前我打动人的地方可能是特别具有视觉冲击力的东西,那些就是加法堆砌上去的。现在打动人的部分可能是新的技术和大家从没见过的元素结合。如果是这样你再往上进行堆积的话,可能出来的效果就不太成熟。”

她始终认为设计师的个人风格并不会被表现手法所局限,了解她的人都知道李筱最根本的风格没有变化。在她刚上研究生的时候,这曾经是她和老师一个重点探讨的话题。那时老师们很欣赏她本科和创意星空时期的作品,她个人想把它做得更加简单实穿。她的导师规劝她最好不要放弃自己那个风格,并不是每个人都可以做的那么有趣和让人惊艳,如果要把自己的东西做得商业或是实穿,可能就会失去最珍贵的一部分。这些话对于重新定位自己设计的李筱无疑是醍醐灌顶,她认识到如果要建立自己的品牌,或是让别人认识到你的风格,就必须要有很强烈和与众不同的地方,才足以支撑起自己的整个构思。于是这几年一路过来,她都保持着既把设计做得很实穿,又保持了视觉冲击的那部分。这一次获奖的系列就有着夸张的戏剧化的设计元素,但同时又是比较实穿的作品。

感性与理性之间

与李筱天马行空的想法有所不同的是,每当提及设计,她的口气中总有着与年纪不相称的成熟与严谨,仿佛她在谈论的是严肃的科学。她说自己是一个经常游走在感性和理性中间的人:职业生涯,规划性的东西,一切想实现的东西她就会尽最大努力去实现。但是做设计的时候她却会把自己的感性放出笼子。她认为这是设计中必须的,不能让理性的东西去控制设计,这样很难打动人。而在不少细节设计里,深思熟虑的工作也必不可少。因为对一件完美成熟的设计来说,许多东西需要反复推敲才能出现精彩的细节。而私下里生活中的李筱是个不折不扣的小朋友,任性地做比较想做的事情,到处旅行玩乐。而每当开始工作,她就像机器娃娃一样“啪嗒”一声按下开关,连续十几个小时工作也不知疲倦。

本科期间就曾在Vivienne Westwood、Alexander Mc-Queen、Gareth Pugh 等品牌的实习为李筱累积了不少真正的实战经验,在那里她变得更成熟法上也有很多改变:“一个设计师的品牌可以成功,除了设计好,其他方面也很重要,设计师并不是坐在设计工作室里画画就可以了,而是要站在穿者和对方的角度考虑设计,并不是强调自我价值的一种自娱自乐。”由此,她真正从一名设计学院的学生加入到了时尚产业的链环中去。

而飞速更替的时装产业也让这位年轻设计师产生了不少疑惑,她认为过度成熟的时装产业对于设计师来说是一把双刃剑。时尚的频繁更替使得设计师在每一季拿出来的东西可能很相似,甚至有的设计师水平就停在了那里。“因此,不管在什么行业里都需要沉淀自己,去思考自己所做的事情,规划一下未来,有自己的积累,才能有好的东西。”她一板一眼地分享着自己认真的见解:“如果你是一个人不是一个团队的话,很快就把自己掏空,一个好的品牌最需要的是一个好的团队去支持,而不是一个个人行为,团队会有更多更新的想法。”作为设计师的李筱自然能感受到这个行业有多么迅速,甚至有许多浮躁的东西,所以她时常要提醒自己沉淀下来,经过积累才能拿出来更好的东西。无疑,ITS的比赛为李筱带来的影响非常大,如果曾经的创意星空对她来说是个偶然的话,ITS则一直在她对自己的职业计划里:“很多年前我就知道了这个比赛,当时就想,等时机成熟了我一定要参加这个比赛。但其实参加这个完全没想过能拿奖。只是以一个很虔诚地心态去参加。”她这样说道,而当比赛的桂冠真正戴在了她的头上,巨大的惊喜也随之而来。不只是国内的媒体或明星开始支持她,国外媒体与买手店也与之纷纷联系,最近的她就在忙着接受fashion scout的邀请做一个小展览,并开始着手申请伦敦时装周的秀场。就连前意大利版《Vogue》总编兼时尚圣地10 Corso Como创始人Carla Sozanni在提到最感兴趣的中国设计师时也毫不犹豫地说出了李筱的名字。

李筱本来的计划是开始自己的品牌,或者是找一下工作。而如今她就要启程先去Disel的总部实习6个月,很多外国的品牌也纷纷给她发来了工作邀请:“这些品牌本来都是我梦寐以求的品牌,觉得自己不知道要花多少努力才能进去。”说到这里她难掩语气中那份小女孩似的小激动,而她又想了想很严肃地补充:“但是不管怎么样,我处于高处还是低处,设计师最不能放弃的就是设计。名气重不重要我并不是很清楚,但最重要的还是自己的作品,不能因为外界的影响忽略了最本质的东西,我还是希望可以好好做设计,不断努力走到更远的地方。”■(编辑:九月)

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从夜店到T台 80年代风格时装 http://www.artdesign.org.cn/?p=11077 http://www.artdesign.org.cn/?p=11077#comments Wed, 09 Oct 2013 04:31:07 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=11077 近期,V&A博物馆以“从夜店到T台”(Club to Catwalk)为主题开始展出上世纪80年代最富代表性的85套实验派年轻设计师作品,包括贝蒂·杰克逊(Betty Jackson),凯瑟琳·哈玛尼特(Katharine Hamnett),温迪·达格沃斯(Wendy Dagworthy)和约翰·加利亚诺(John Galliano)。那些艳丽浮夸而闪耀的时装,永远满溢着乐观蓬勃的态度,如果衣服可以说话,它们会告诉你它们有多欢快。




周末夜狂热

每个在夜晚寻觅欢乐的人都害怕在天亮之前变老,所以他们迫切地需要耗费所有值得耗费的夜晚。如果这些人生活在70年代,那么Studio 54将是他们想进入的地方。这间由史提夫·卢博(Steve Rubell)和伊恩·施拉格(Ian Schrager)花费重金打造的俱乐部,原本只是一间电视台的演播厅,在短短两个月里摇身化作纽约城内最时髦的夜生活聚集地。1977年上映的电影《周末夜狂热》(Saturday Night Fever)推动了彼时最受人们喜爱的迪斯科潮流向前发展。影片中约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)穿上丝质的花衬衫和喇叭裤,脚踏方跟高跟鞋,喷起一头发胶,就是一位流连在舞厅里的迪斯科青年最佳代表。由此,全世界的年轻人们纷纷模仿着他的打扮,跑到迪斯科舞厅里尽情舞动。迪斯科曲风的欢愉狂热伴随Studio 54的传奇成就了70年代享乐主义的高潮。

曾经性格无比内向羞涩的安迪·沃霍尔,在这里进化成一个真正的派对动物。他常常说Studio 54是门外专制和门内民主的融合——在每天晚上,夜店的保安们便在门口拉上一道长长的天鹅绒帘,将满街的狂热派对动物们冷酷地隔离在外。每天晚上都会有无数打扮奇异的人聚在俱乐部门口,他们高举着手,嘴里喊着:“看我,看我!”两位夜店拥有者卢博和施拉格则站在一旁随意地挑选可进入到夜店中的玩家。这个选择标准无关性别年龄,无论贫穷或富有,只要你的打扮足够时髦出奇,或者单纯是长着一张漂亮的面孔,就有机会进入到Studio 54中去。 而夜店内部则完全是另外一番景象了,庞大的俱乐部内分布着悬空的阳台,火辣舞者不时现身,地板中央则映出一半月形人脸,一支巨大的银匙伸向嘴边,匙中用闪烁的彩灯代表古柯碱。人们毫无忌惮地赤裸着上身,甚至全身不着一丝一挂也都没有问题。舞池里满是闪着五彩光芒的闪片,辉映着人们各式各异的穿着,头顶上悬挂着那盏似乎永远不会停止旋转的霓虹彩灯。场面绚丽夸张到有人形容,在离开夜店的几个月后,依旧能在衣服的缝隙里找到亮晶晶的珠片。

Studio 54里充斥着那个时代最有型的潮人,还有最富盛名的艺术家、音乐人们。唐娜·莎曼(Donna Summer)、葛蕾丝·琼斯(Grace Jone((LizaMinnellCalvinKleDianevonFurstenbeStudio 54中流连忘返。停驻在Studio 54的经典时装时刻更是数不胜数。时尚专栏作家鲍勃·克拉塞罗(Bob Colacello)在接受采访时曾回忆,早前有一次自己正和侯斯顿(Halston)等人在Studio 54里聚会时,伊夫·圣罗兰(YvesSaint Laurent)便同自己的友人们一同走了进来。侯斯顿和圣罗兰,这两位分别代表美国和法国顶级时尚的设计师看到彼此后起身相拥。坐在一旁的杜鲁门·卡波特(Truman Capote)则对雨果·吉尼斯(Hugo Guinness)窃窃私语到:“你刚刚看到的,可是时尚史上最伟大的瞬间之一。”

这间夜店同样保存着设计师们的青春记忆,瓦伦蒂诺·加拉瓦尼(ValentinoGaravani)在那里扮成马戏团驯兽师的样子;而乔治·阿玛尼(Giorgio Armani)则在Studio 54中与一位变装皇后尽情热舞。米歇尔·克罗斯(Michael Kors)在自己年轻的时候,经常偷溜到Studio 54中,把侯斯顿固定位置的预订标志拿开,装作自己是他的好友一样呆在那里:“那是我第一次见到侯斯顿,感觉就像是《绿野仙踪》中桃乐茜碰到了奥兹国大法师一样。”

在Studio 54开张的第一年里,侯斯顿就在那里为自己的老友贾格尔(BiancaJagger)举办了一场惊世骇俗的白色生日派对。贾格尔当晚身着红色裸肩长裙骑着一匹白马,由一位全身赤裸的精壮男子引领入场。这几乎是此后数十年难以再现的魔力画面。然而好景不长,伴随两位主理人的逃税风波,风雨中的Studio 54渐渐落下了帷幕,70年代的喧嚣也只好永远停留在人们的回忆里。而伦敦夜店的兴盛恰恰是从此刻开始,街头的夜店犹如雨后春笋般在这座城市中源源不断地涌出。每一个周末的夜晚,闪烁霓虹灯的街头挤满了奇装异服的男女排队等候一张俱乐部入场劵,人群中依旧挤满了时装设计师、音乐家或是舞蹈家、电影制片人。旋转的迪斯科球伴随酒精让他们将此间的灵感与音乐或T台紧紧相连,这种再具象化不过的关系造就了独有的1980年风潮。

80年代也是伦敦时装起步的年代,在纽约与日本轮番上演的时装秀刺激着伦敦的年轻人开始自发性的时装运动,其中“伦敦走向东京”(London Goes toTokyo)的活动让不少设计师将他们的作品带入了画廊。而彼时伦敦浓郁的艺术教育氛围也融入这场“夜店”狂流之中,来自中央圣马丁、皇家艺术学院的学生们以丰富的伦敦夜店为灵感挥洒着自己的想象力。约翰·加利亚诺(JohnGalliano)这样回忆道:“无论是星期四还是星期五,整座学校永远是空空荡荡的。每个人都在家准备着自己周末派对着装。”

物质偶像巅峰
安迪·沃霍尔曾说:“在未来,每个人都能成名15分钟。”80年代恰恰是巨星的年代,伴随着约翰·屈伏塔(John Travolta)的舞蹈表演与比基斯乐队(Bee Gees)强劲的节奏音乐,迪斯科式的令人振奋的动感偶像们真正将这种物质风潮推向巅峰。

作为时尚史中最为特殊化的多元年代,80年代拥有着丰富的文化特征和偶像代表,麦当娜、 迈克尔·杰克逊和汤姆·克鲁兹,这些明星的穿着渗透式地引领着整个社会的着装流行。对于女孩们来说,80年代对她们意味着麦当娜。当特立独行的舞曲天后在1980巡回演唱会上穿着Jean Paul Gaultier的金色锥形胸衣,发出邪恶女郎的自我宣言时,Disco Look的经典元素被化用到登峰造极的境地,粗暴突兀从不见天日的夜店,一跃登上时装殿堂。1983年麦当娜推出两首Disco风格的歌曲“Holiday”和“Lucky Star”,MV中她穿着一件黑色舞裙跳着利落的Disco舞步,这套服装在今天看来仍不落伍,在纽约的街头甚至都还能见到这种打扮的年轻女孩。1985在她首届MTV颁奖典礼上以白色内衣及”Boy Toy”金属腰环造型献唱”Like A Virgin”,从此开始了全球狂销的历程。而在90年代初,麦当娜在单曲“Vogue”(时尚)的现场演唱中,身着18世纪的古典服装大跳Disco,再次惊艳全场,即便不用穿上霹雳的外套和紧身裤也展现出Disco音乐的风采。而在2005年推出的复古Disco大碟《舞池告白》(Confessionson a Dance Floor)中,麦当娜身着Vintage古董桃红连衣裙大跳热舞,这首歌的部分音乐还采自“Gimme Gimme Gimme”键盘旋律,表达着对Disco文化的敬意。在没有战争与经济动荡的大环境下,社会风气由对精神世界的探索转为讲究个人的成功和物质享受。“物质女孩”恰恰是80年代的核心主题,对物质的追求迎来了时尚的异样繁盛。“辛苦工作,尽情玩乐”成为新一代的座右铭。

那个年代具有代表性的电影之一《壮志凌云》,在电影上映以后,雷朋(RayBan)墨镜就流行开来。与此同时,随着电视剧《迈阿密风云》的火爆,剧中警察所穿的垫肩西服开始受人欢迎。复古军装的盛行,则是由流行巨星迈克尔·杰克逊一手炒热,这位活跃于70年代到90年代的流行歌坛巨星,在80年代获得无数舞曲奖项。而伴随着他标志性的太空舞步,拥有宽阔肩部与金属装饰的双排扣丝绒军装成了当年最闪耀的主角。从70年代早期一条条彩色喇叭裤,到爵士帽,太空风格材料,还有Disco文化中的闪耀亮片融入了多种时装元素,一切都化作他独有的华丽炫耀舞台风格。

同一时期的乔治男孩则是醒目妖艳的80年代新浪漫视觉系代表,更是男扮女装的最成功案例,他前卫不羁的打扮深受当时的电视明星和媒体娱乐偶像的大力追棒。才华横溢的乔治男孩非但橱窗设计师,更是英国乐队文化俱乐部(Culture Club)的灵魂人物,如今颇受欢迎潮牌Boy London的拥有者。

T台闪耀Disco

史蒂芬·巴罗斯(Stephen Burrows)曾经是70年代美国最耀眼的时装明星,他最爱使用鲜亮颜色和不对称剪裁,喜欢选用垂坠贴身的衣料制作便于活动的衣裙,这样他的顾客就可以穿得简单又体面,并且可以随时出去跳舞。巴罗斯色彩鲜明、富于个性的设计是美国七十年代所推崇的审美缩影,扑面而来的色彩与鲜活的设计承载着Disco时代的美丽记忆。而随着流行文化将麦当娜推向宝座,高缇耶(Jean Paul Gaultuer)的成功也让他对这个年代有着无可比拟的深情。他的2013年春夏女装就是献给这些奠定当代风格的流行巨星。新的系列中他不仅重新展现葛蕾丝·琼斯在《Nightclubbing》大碟封面照的造型,而身着尖锥胸衣的麦当娜那蓬松卷发、夸张手镯和十字架首饰等元素符号,也成了每个系列的保留节目。雌雄同体的设计是高缇耶的一贯风格,今季中那些曳地碎花裙及和服式服装配搭上乔治男孩的造型让人无尽惊喜。最令人难以忘怀的是,高缇耶选择了Disoco女王阿曼妲·李尔(Amanda Lear)演绎闭幕模特,她以一袭迷人粉红泳装艳压全场。高缇耶对80年代的热情,化为夸张夺目的色彩让人们穿梭回Disco舞台。同样在13秋冬的系列中,Diane von Furstenberg则将T台搬至令人心驰神往的Studio 54,闪光面料配合极为明亮的鲜艳色系仿佛像是人群对狂欢夜晚的致敬。

80年代的时尚很容易被冠以“俗辣”的名号,但是它的确是迷人有趣的。它拥有着任何年代都不能比拟的华丽、醒目和乐观。如今,宽大肩线、紧身裤与亮片依旧出现在每一季的秀场上。如今的Disco风格,显而来的更加摩登,因为我们大可不必像80代那样白天严格恪守雅痞文化,晚上在高分贝中疯狂摇摆。出自夜店的衣裳们如今宠辱不惊地出现在日常生活中,从Disco走上Runway,从Runway走向Realway的闪亮舞会装在设计师们的巧手下更加亲切可人。而无论如何,享乐精神永不退却,才是人们心中的黄金80年代。■文 Article > 蘑菇 Lando ;图 Pictures > V&A(编辑:九月)

 

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亦真亦幻的概念车 http://www.artdesign.org.cn/?p=10992 http://www.artdesign.org.cn/?p=10992#comments Tue, 24 Sep 2013 07:31:24 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10992 概念车并不总是一张图纸,或是停在展台上能看不能碰的炒作工具。如果汽车是生活的一部分,那么概念车就不是从花哨的外壳变成一台真正的机器,真正吸引人的概念并不是好看的外表,而是一种全新的驾驶理念。

百年大礼
AstonMartin CC100 Speedster超凡概念车
为了庆祝百年来所获得的辉煌,阿斯顿· 马丁打造了这款独一无二的CC100 概念车。它代表了对过往荣耀的致敬和对品牌未来设计方向的体现。这款概念车搭载了6.0 升v12 自然进气发动机,与液压驱动自动序列式手动变速装置完美相配,其先进的动力传动系统加速时间为4 秒左右,而最高时速也被设定在180 英里/ 小时,且车身和内部都使用碳纤维材料精心打造,完美地将这款概念车展现在大家面前。这款概念车体现了阿斯顿· 马丁的荣耀和未来美好的方向。

优雅飞驰
BMW Gran Lusso Coupé概念车
宝马与意大利知名汽车设计工作室合作,带来了全新的Gran Lusso Coupé 概念车。这款概念作品配合长车头、短前悬的比例,以及斜向后收的车顶与双门优雅的大型Coupé。除了优雅的外型,引擎盖底下植入的V 12 的动力心脏,提供澎湃的动力输出。优雅的双门外观搭配V 12 强悍动力,还有车名中Lusso(Luxury) 的字眼,让人联想到1990 年代的问世,汇集了当时顶尖科技与高阶动力的8 Series,这更是使这款概念车有了过去和未来的综合。

智动未来
Buick Riviera W-PHEV概念车
全新Rivera 别克“未来”概念车集众多高科技于一身。大方的外观设计,呈现出丰富饱满的立体型面;新颖设计的别克经典有天鹅羽毛般的视觉效果。在高效节能上,琉璃质感的“回旋标”型日间行车灯将成为别克未来车型的设计元素之一;在动力上,别克Riviera“未来”概念车采用双模W-PHEV 无线/ 插电式混合动力系统。它还装备了智能四轮转向系统,在底盘上采用了电磁感应主动避震器与空气弹簧。这款概念车展现了从容、优雅的乘坐体验与别克专属的尊贵和豪华。

霸路狂鲨
Icona Vulcano概念跑车
Icona Vulcano 概念跑车来自意大利,经过了很多设计师之手而铸就了这款现代感与速度流感的外观和内部造型。它所配备的两款强大动力,一款是搭载了V12 发动机,最大的功率可达到672kw,最高时速为350km/h,而两百公里加速时间在10 秒以内,同时使离合器加快变速,为平滑理想的提速提供了扭矩平衡。这一整体配置创造了纽博格林的新纪录。红黑的搭配色风格,霸气的外观和流畅的线条设计使此款概念车有了速度与激情的动感。

太空战甲
Lamborghini Egoista 概念车
前卫,具有未来感和时尚感的外观造型,兰博基尼这款概念车的外观冲击了人们的视觉神经。它被命名为Egoista,在意大利语里代表了“自私”的意思,车内采用一体式座舱设计,与其单人座的设定相呼应,强调个性化。奇特的外型,车身低矮,车头和尾部的设计都非常另类,大量折线与几何图形组成复杂的车体,其自身用大量碳纤维复合材料打造而成,将重量控制的非常低。这款车代表了享乐主义的极致,享受一个人的快乐和夸张的体现出来。

大众情人
Nissan Friend-Me概念车
日产Friend-Me 概念车是一款面向中国小型车市场的车型,由东风日产与日产共同研发,此款车型主要由中国设计师完成。犀利的风格外观,锐利LED 的大灯配合倒梯形进气格栅,车身侧向于跑车设计,运动感十足,充分表现了动感流畅的外型,同时也体现了未来汽车发展的大趋势。它配有高效节能的Pure Drive 混动系统,配以2.0L 发动机,拥有充足的动力。内部的设计基于“四座同芯”的核心理念打造,通过特有的中空设备去实现四位乘员之间信息的互动。

烈烈杀机
Peugeot ONYX概念车
惊艳的外观,和细致的造工,使Peugeot ONYX 这款概念车体现了与众不同的气质。车身的铜色不分由铜片手工打造,内饰材料由回收的报纸造成,体现了未来感和环保的清洁感。ONYX 车内的配件也基于旧材料的加工和组装,里面的所有控制装置,都在驾驶者的视线范围内。车外观上彩色的纹理跃于表面,近距离观察可发现秘密在于印刷字形,展现了精湛的玻璃吹制和玻璃水晶工艺。这款车使用了空气混合动力技术,让我们看到了标致在未来细节上的尝试。

旧式英伦
PGO Cevennes Water Snake复古概念跑车
将过去的经典和未来的机械化相结合,体现在跑车上。复古式的外观加上高科技的内置,构造了这款PGO复古概念跑车。它拥有藏蓝色的碳纤维外表下,配置的是新设计的18 寸米其林宽胎。内饰上,这款概念车选用了真皮仪表板,真皮座椅和碳纤维装饰面。驱动上,它搭载的是一款宝马的1.6 升四缸发动机,功率为181马力,搭配着六速手动变速箱。这款复古概念跑车体现了过去和未来的相结合,外观体现着一种与众不同的时尚感,让喜欢怀旧的爱车者有了新的体验。

嗜速小可
Renault Twin’Rung概念车
雷诺最新发布的Twin’ Run 概念车体现了城市化的车外形特征,独特新颖的车型,小巧灵动的外表,展现了未来城市车与跑车的结合设计理念。这款概念车搭载了一款中置的316 bhp V6 汽油发动机,配备了大量的赛车技术。该车采用了管状钢制底盘,轻量化的玻璃纤维车身使此概念车的整备质量仅为950 公斤。该车的主要机械零件取自赛车界,如拉力赛风格的焊接手刹杆。内饰是精简的摆饰和材料结构。这款概念车暗示了未来Twingo RS 车型的性能潜力。

电动怪杰
Renault Twizy Sport F1电力概念车
这款车的外观造型可爱,而霸气。雷诺将灵巧可爱的车身,和战斗力强跑车的设计理念相结合。这款电力概念车由雷诺的设计师,将来自于F1 赛车上的KERS 系统安装在了这款概念车上,让车重增加了30 公斤,也让其功力大增。车速虽不及别的跑车,但是款高速的环保电动跑车。外表新颖可爱的造型,和高速的速度,使电力概念车功力大增,同时展现了未来车的走向,环保而又不失速度的电力跑车。

天降神兵
Terrafugia TF-X插电式混合动力飞行概念车让车
可以飞起来的梦想在很多人的小时候出现过,如果有一天,人类可以实现这个梦想或更接近这个梦想,我们是不是就在未来的脚下了呢?Terrafugia 发布的TF-X,插电式混合动力飞行概念车拥有最先进的技术,通过线传控制可执行垂直起飞和降落,不需要跑道的铺垫。该车拥有300 匹马力的引起和两台600 匹马力的电动马达来进行飞行与垂直起降。它还拥有先进的安全系统,配备的安全装置可以随时启动来保护车内乘员的安全。期待实现儿时梦想的飞行概念车尽早上市。

欢乐童军
Toyota Camatte概念车
现代科技的发达让儿童也可以以安全为主,体验到驾驶的乐趣。丰田设计的Camatte 概念车以教孩子们安全驾驶为目的,并激发孩子们学习驾驶的热情。这款概念车采用简单的结构做车神,整个车由非常容易拆卸的蒙板构成。两种造型供选择,一种都市风格,一种具有野性的跨界版本,都可以赢得儿童们的喜爱。内部结构的后座座椅几乎紧贴着前排座椅,这样的设计有助于后排的父母和子女沟通,也可帮助儿童进行转向和制动以确保行车安全。

 

(文Writer_ 三囧)

 

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此间人未识 http://www.artdesign.org.cn/?p=10786 http://www.artdesign.org.cn/?p=10786#comments Thu, 12 Sep 2013 03:50:35 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10786 就一块腕表而言,工艺、造型、价格、趣味性……哪一个会成为征服你的元素?

腕上吉他
ARTYA Son of Sound腕表

音乐爱好者想不想要一款属于自己热爱音乐特征的腕表?Artya这款son of sound腕表有着吉他头形状的表壳,表针分布在节拍器形状的显示盘上,独特而富有特色的设计,象征了让时间转化为动听的韵律。吉他头形状表壳采用奢华的18K玫瑰金和钛金属打造而成,表壳两侧有4枚调校钮。垂直手工拉丝黑表盘上,纯黑与金色的搭配带来一种低调的奢华质感。

户外极客
Breva Génie 01腕表

想要腕表像手机一样方便携带,还具备很多功能吗?那是不是使生活更简单了许多。Breva Génie 01腕表集时间显示,高度计,气压计(用来预报天气)和功力储存显示为一体的腕表。表盘的易读性让佩戴者可以快捷地阅读出表盘,罗盘纹饰让储存显示器更清晰,表盘下有敏感的预测器。表壳侧面有三个双重功能表冠,为其机芯进行上链和调校。

镂空艺雕
Maurice Lacroix Masterpiece Seconde Mystérieuse腕表

这款腕表采用的是自制ML215机芯,拥有50小时的能力储备,18000次每小时的振动频率。它外观以独特的角度方齿轮,诠释着时间的意义,体现现代感和神秘感。其大胆与创新的设计,搭配上6点位小秒针的独特走时方式。采用垂直与平行方向同步运转,纵横交错读秒。表盘其他部分的板桥全部镂空,经过镀铑,整齐均称。现有2种款式各限量发行125枚。

繁复岁月
Urwerk UR-210 EMC技术腕表

让时间和腕表互动,与生活节奏相呼应,互动关系,彰显出其时尚感的特性。UR-210 EMC技术腕表特殊的计时方式,与佩戴者的动静相连。若佩戴者静止,指针指向红色,机芯暂时靠储备动力运作;若佩戴者运动着,指针会移向绿色区域,摆陀转动为机芯储存更多新动力。精细的外观和内部做工使传统与科技相挂钩,让腕表凸显其与众不同。

可视心跳
HYT H2 Hydro Mechanic腕表

把表打造成富有机械感的外观,并加上超前的机械功能设计,让腕表也变成了有时尚感的时间记录者。HYT这款液体机械制腕表将糅合液体与机械结合,立体多元的结构和混合动力技术的融合。腕表设计利用发条盒弹簧的可视性,表现了独创的面貌,搭配拱形蓝宝石水晶表镜,使清晰易读的液体显示出来,使其展现了强劲和果敢的设计。

瑰美宝石
Harry Winston Opus XIII腕表

没有表针的表盘,像魔术盘一样的出现在腕表里,你一定不想错过这样子的神秘腕表。突破传统制表规则,Opus XIII用59个旋转分针、11个可旋转的三角小时时标,一个滑动活版门,显示出时间若隐若现的感觉,还会提醒你当下的时间。分钟指针在一个布满钢轴的圆环上运作,每个钢轴由两颗红宝石轴承支撑,每颗宝石都有精准的定位和调节。

刚猛无敌
Rebellion T-1000 Gotham腕表

威力劲爆的外观,体现了机械化和高科技的结合,佩戴上这样一款腕表,你一定会觉得酷炫无比。这款腕表利用稀有的时间动力发条设计,里面含有6个发条盒,上满弦后,可为手表提供持续1000个小时的动力储存使用。配上logo的彰显,精密的准确度和酷炫的外表下,还可以看到各式的大小零件,仅有限量的25款,心动不如赶快行动!

超跑灵魂
HUBLOT MP-05 LaFerrari腕表

与法拉利跑车所匹配的腕表,拥有着一样超强的动力储存。MP-05腕表拥有卓越的品质,机芯中装配不少于637个零件,同时配搭着陀飞轮机芯,内部的发条盒也彼此相连,使其动力储存能够达到50天之久。这款腕表的精致的造型设计也体现了其神秘感和独特的表现力。白色的夜光涂层使读取时间变得更加容易,与法拉利跑车相互辉映的外观使这款腕表独特新颖。

 

(文Writer_R.R.T.)

 

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时装之内,品牌之外 http://www.artdesign.org.cn/?p=10689 http://www.artdesign.org.cn/?p=10689#comments Wed, 04 Sep 2013 02:30:51 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10689 毛继鸿依然记得他第一次与山本耀司聊天,那是一个长达3 个半小时的谈话,在最后半个小时里他完全沉默了。当山本耀司侃侃而谈时装之时,他用笔在纸上写下一句话:“我被一颗子弹打中了。”这句话像是整个故事的开始,决定了日后他在山本耀司的大力支持下,与香港又一山人- 黄炳培共同创立YMOYNOT。这并不是“又”一个时装品牌,比起一个单纯的时装品牌,他们更愿意称它为一个开放式的创作平台。

S= Surface ;M=毛继鸿 ;A=又一山人-黄炳培

S :可以讲述一下品牌“YMOYNOT”的来源吗?外界传言Y 代表的是山本耀司( Yohji Yamamoto) 先生?

M:品牌的名字叫做YNOT,而YMO 是公司的名称。YNOT 的名字就像书面的意思一样:“为什么不”。当时YNOT 被注册了,所以我们就想前面加一个前缀。一直都很难为这个铁三角组合起一个合适的名字,偶然的一次机会我们聊到日本的一支老乐队,而这支乐队和山本先生有很大的渊源,因此就借用了YMO 的名字。

A :对,YMO 乐队的全称是Yellow Magic Orchestra,山本耀司先生和坂本龙一先生关系非常好,曾参加他的乐队作为吉他手演出,而YMO 是上个世纪80 年代日本电子音乐祖师级的组合,当时以颠覆性的精神风靡日本,这也是我们所推崇的精神。

S :山本先生又是怎样加入到团队中的呢?

M:山本先生对于我们这一代人有着不可替代的重要影响。他的裁剪、对面料宗教式的崇拜,包括每一季度时装的演绎总能带给人非常强烈的震撼。从大学开始,每一季度我都非常期盼他的发布。再后来就有了一些合作机会,比如说做他的品牌代理,2008年他在北京太庙作秀,邀约这方面就是我来做的。几年的逐渐了解之后,他觉得我们彼此的气质非常符合,最后决定做这个公司。

S :那品牌寄托着怎样的精神?

M:最重要的是我希望可以把山本先生对待衣服的态度和设计中的东方精神传承下去,他是日本的人间国宝,在这个行业里探索了3、40年,其中的经验可以帮助到中国甚至是亚洲的设计师。 在过去几十年的时间里,他在我的设计生涯中一直给很大的影响。

还记得几年前,我带着品牌里的一个80 后设计师去参观山本的Show Room,他进去以后看到那些作品几乎激动到不能自己,拿着相机拍了一个小时,而在回国之后我们就听到了山本公司破产的消息,我还记得我那位年轻设计师的表情有多么失落,好像是从梦境掉回现实。那天我也哭了,觉得没有能力帮助他,但是心里想一定要在以后创造这个机会。

S :所以这个品牌也蕴藏了你们对山本的个人情结?

M:过去的2、30 年中他给了我一种难以言喻的力量,我希望这个力量是相互的。做这个牌子,也是想将这种精神延续下来。现在我们有能力、有力量去打破行业内的常规。我们三个人的年龄是70、40、50,而团队里有30、20 岁,甚至包括90 后非常年轻的设计师。要说初衷是为什么,我真的没有考虑太多,这就是我当时的一个感受,觉得这样的设计、这样延续的精神不能消失。

A :我的故事和继鸿的不太一样,我从小就很仰慕他,年轻时候,钱都花在买他的衣服上。当时他们第一次深谈的时侯我也在日本,第二天继鸿带我到了山本先生的办公室,又聊了一个半小时。不过我们没聊工作,谈了很多做人还有生活的看法。

东方与西方,共有的是未来

“东风西渐”的热潮,是由山本耀司、川久保玲等一批极富东方风格的设计师们带去了巴黎的。生于70 年代的中国设计师难免受到了他们的影响,YNOT 的建立混杂了中国与日本文化的东方设计哲学,山本耀司的门生铃木道子担纲了品牌最新系列的领衔设计师。作为一个开放式的设计平台,品牌每一季度都会与不同的新锐东方设计师合作。毛继鸿这样解释道:“我们无法回避血液里流淌的东方特质,在西方审美为主导的当下,我们更要客观看到我们身处的土壤和环境。”

S :同样属于东方体系,日本设计比中国设计早了这么多年。那属于中国的设计又如何发展出一条自己的路?

M:的确,日本人比我们早那么多年,已经把很多所谓的东方元素用到了极致。怎么再去找一个新的角度去诠释这种文化对于我们来说是个很大的问题。这并不只是中国人的问题。也是日本年轻人的问题,甚至是亚洲许多设计师的问题。大家在同样的宗教体系和人文体系下生活,生活方式在不断改变时,设计也遇到了新的问题。

东方的崛起也会带来西方对于东方的痴迷,有人说过中国儒家的思想会在21 世纪拯救世界。我并不愿意把日本和中国的设计分开来,这就像是东方思想和西方思想两种思维模式上的分法。事实上,现代的亚洲人或是西方人,他们互相受到的影响非常大。我觉得每一个人都应该重新站在本体的角度创造出一个新的东西。对于年轻人来讲其实是一样的,他们没有这个障碍,不会刻意去分东西方。而设计总的趋势,就是回到更加生活和艺术的角度重新出发。

S :我们看到东方与哲学有关的设计也被引入到YNOT 的设计中,那么如果每一季设计师不同,(比如说新的设计师对哲学佛学研究不深)你们还会将他引导到这个方向上吗?

M:心中有佛就有佛,心中没佛就没佛。 所有的设计师都拥有自己的选择,你选择佛那么设计中就有佛,你选择了哲学就会做出哲学。你不能绑架或者是强加给他你的概念,服装最后的样貌决定权在设计师手上而不在我们手上,我们想哲学、人文、佛教,但是人家不一定听你的。他会反叛,那我们为什么这么做,因为我们曾经是创作人,都曾经有这个经历。

A :现在年轻人怎么看待东方哲学,其实对品牌影响并不大。穿着它的年轻人会感受设计师想给他(她)带来的故事。这是一种对话和交流。我们三个人一直抱着很包容的心态让年轻人去发挥。我们不会指定他一定要做什么,一定不能做什么。昨晚秀的第一个系列出来是游牧民族的感觉,当我看到模特整个人的造型,有一刹那觉得自己到了蒙古。我当时迫不及待地跟山本说:“好像在蒙古的感觉。”山本楞了一下点点头说,是这个样子的。我觉得设计上不应该有一个框框,我们两代人的交流应该是互动的,有一个过程。但是我们会有一个共同的认知,并且朝着这个方向发展。

S :所以你们会很支持新锐设计师的想法和创意?

M:对,我们会帮助他们。品牌传承的理念就像带大一个小孩,作为长辈帮他少走一点弯路。我们三个人从业的时间加起来有100岁。这些经验可以帮助他们。

S :您刚刚提到释放个性,那么作为一个品牌,春夏和秋冬发布的系列有很大的差异,又如何保持品牌的辨识度呢?

A:Why Not ?这就是我们的辨识度,常“变”就是我们的辨识度,我们的风格。我们三个人是这个大家庭的大家长。我们不需要每一位子女都一模一样。

M:其实辨识度何曾不是“面相”。我们总归是为人服务,做这个事情本身就是为年轻人服务。老人家不可能比年轻人更了解年轻人,我们去设计你们的生活是不可能的。年轻人必须用他们这代人的设计语言去设计生活。那么我们这些老人家能做些什么?

服装中有很多的骨骼、节奏和美感都是相脉相承的,辨识度不是外在的辨识度,而是在内里的辨识度。你要年轻人穿的很舒服,是衣服里面的结构、版型、材料决定的。我们就是把这些经验传授给年轻人,帮助他们选择,帮助他们去做到这个力度。我们会在幕后控制这个节奏。

S :你们一直走着东方哲学的路子。佛曰空都是无常,那么你们对未来有没有期待?

M:有很明确的计划和期待。就是期待下一代的崛起,还有一个期待,就是希望这些少年,年轻人更勇敢,因为有我们作为靠山。这个品牌最重要的定位是勇敢。敢于实验和实践, YNOT 可以让你有胆量去实验,有实力去实践。

A:我对教育的投入是非常大的。我们三个人现在在做的就是这个,除了是一个平台、一个企业、一个品牌之外,这件事情本身也是个教育的过程。我希望通过跟年轻设计师的交流,看到对未来的一个设想和发展。比起一个投资人,我更希望自己是个教育者。

S :所以这像是一个未来的投资?

M:对,我们投资的是未来,这是品牌里很重要的。就像山本在他年轻时候组织过乐队。我在大学的时侯是摇滚青年。未来不可估计,但也正是这种未知里酝酿着最大的力量。

A :我曾经说过:“因为我的工作和运气,这三十年,我去过无数的地方,也经历了西方文化的洗礼。但我庆幸一件事情,就是在我去了这么多地方之后我还认识回家的路。”这个很重要。他要知道自己是来自东方的设计师。

时装从来不是灯红酒绿

身为一个创意性的经营者,毛继鸿笑言自己不太会看财务报表:“很多人用脑做事情,而很多人在用心做事情。”在他心里,时装产业从来就不是一个灯红酒绿的夜总会,是一个实实在在的,在人类社会里用手工延续的文化产业。这么一件针头线脑的事,并不那么适合渴望成名的年轻人,因为它需要个性,耐心和热情。

S :您们作为品牌的主脑,甄选这些新锐设计师的标准是什么?

M:我挑选设计师最主要的一个原因就是看他能否自己做衣服。全世界只有山本耀司的公司会让每一个设计师在一开始车3 年衣服,所有的设计师都要打版都要会缝纫,这个观点和我们大环境差别非常大。但是对我来说,这就是对待衣服的一种态度。设计师不是一个明星,而是为人服务的一个岗位,但是我们现在颠倒了。所以在甄选上最主要的就是他看待衣服的态度。

A :一个设计师,或者是一个好的创作者,他的方向和对一件事情坚持的态度是比他的能力或是其他外在的东西更加重要。

S :的确,如今设计师更像是明星。

M:其实我认为在国内,甚至在国际的大环境下,我们看到的永远都是设计师的“面相”。在这个圈子里,过去无论是媒体还是市场永远只能看到“明星效应”,似乎设计师就是应该这样一个在镁光灯下面特别光鲜的模样。但其实一个真正特别好的设计师,他需要一个好的后台。对于我而言我想做的就是为他们提供一个强大的后台,什么是后台呢?就是不管从技术、到材料、采购、制作工艺、生产和品牌推广每一个环节都有非常强大的力量在支持,一个拥有国际视野的团队在帮助设计师——并不是只有设计师的脸,而是有一个完整的肢体。

S :现在越来越多年轻人在国外念设计,他们在创新上非常大胆,也受到好评。但是他们也在起步阶段对市场不是那么了解,您能否给这些设计师的发展一些建议?

M:还是要多了解消费者本身。你不能白日做梦一头埋进自己的故事,因为人们不一定能从你的故事里找到共鸣。中国市场有一个很大的包容力,你不一定量要做的很大,中国认可的小市场,在全世界来说就是一个大的市场。我更希望设计师不要表面在做设计,可以内心去做设计、内心喜欢设计,尊重内心的美学和观念。这样也会更长久,因为你的动力会来源于内心而不是别人怎样看待你。年轻的设计师更多的时候在用加法做设计很少用减法。在繁杂的社会当中,你需要真正找到给你的顾客是什么东西,有些是刺激、有些是温暖、有些是情感,但是你要认准你能持续给予的是什么。

S :所以做设计更像是在坚持自己的内心?

M:消费者现在不缺衣服,也不缺产品,缺的是一个真正用心做的产品,一个心理渴望的东西,是衣柜里永远缺少的那件衣服。相比我们所在的那个咨讯、资源、物质都很匮乏的年代,如今的青少年更难独立,因为他们拥有了很多物质,很容易得到信息,很容易得到知识。他并没有把这些真正变成自己的东西,这个资源不断被2手3手,其实这是个难题。你怎样比别人更加专注,怎么比别人更精钻的回到内心的本质。如果你发自内心做设计,这种感觉会扑面而来,穿过每一个消费者的心,不止是年轻人的心,还有阅历很深的人的心。我觉得这是给年轻设计师最好的忠告。

 

(采访Interviewer_羿丹Diana Yi 文Writer_李阳Li Yang 图片Pictures_YMOYNOT)

 

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绅士也妖娆——2014春夏男装趋势 http://www.artdesign.org.cn/?p=10588 http://www.artdesign.org.cn/?p=10588#comments Mon, 02 Sep 2013 03:11:24 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10588 男装趋势有什么好看?这是一个藏在不少人心里的疑问。相较千变万化的女装,男装数十年间趋势给人的固有印象总是无法逃脱“无非是扣子少一排或是袖子短几公分”的细微变化。或许除了少数时装爱好者,日常生活中的男式着装确实让人没什么期待,但设计师们却永远不会满足做一场不精彩的秀!在巴黎Dries Van Noten让男人穿上花朵;在伦敦Craig Green让男人穿上纸盒子;或是在米兰 DSquared2干脆让男人不穿衣服。而设计师们也跟商量好一样,管你是狂野还是中性,干脆让男人通通穿上裙子!服装史跑了上千年,男人又在T台上回到了穿裙子的时代。不仅如此,在刚刚过去的男装周上,更是有些让人膛目结舌的设计!蕾丝,透视等女性化十足的元素早在男装秀场上屡见不鲜。自从上一季 J.W. Anderson的男装活生生像穿错了几周后的女装系列,为了营造男装周更高的话题性,品牌与设计师们也不得不各自绞尽脑汁想出更加新鲜的点子。若你不知道男装周还能看什么?且看2014春夏男装周中,绅士如何妖娆绽放!

花团锦簇

时尚界一贯的作风便是女着男装,而近年来伴随着花美男们的来势汹涌,雌雄界限可谓越来越不分明,设计师们也越来越喜欢给男人穿“花衣”。印花除了在女装周一路走俏,各式样极为花俏的精彩印花也大量出现在14春夏的男装周上。

首先祭出大片繁花来迎接春夏的是Gucci和Dries Van Noten,这些一团团簇拥的鲜花无疑取自女装的最新趋势。以印花作为看家本领的Dries van Noten在宽松裁剪廓形中加入了各色花卉元素,透视效果与轻松舒适的搭配下花朵以灰度极高的色调出现,使得本身颇为女性化的花朵多了几分飘逸,而细节加入的华丽刺绣装饰无疑增添了些贵族式的精致作派。Gucci虽然在此次大量加入了运动服饰元素,但简约的系列中那几件青春洋溢的花朵装无疑非常醒目。在玩够了上一季青春贵公子的造型后,本次的主题似乎紧紧围绕着“青春花美男的假日”进行开来,Frida恨不得把全天下的花都层层叠叠包裹在这些“人比花娇”的少年身上。Prada的花美男们则有着更加闷骚的文艺气质,花纹在地毯系的浓郁色泽里有了更加醇厚的线条,它们藏在西装的里面或是短袖Polo衫下的那半截袖口。

除了花朵印花之外,趣味与先锋印花同样在男装T台上三分天下。Givenchy以街头搭配印花的法宝让品牌迎来了男装的第二春,而这一季它借着延续了印花当道的路线。与上几季的动物、圣母印花不同,这一季显而相较于街头潮牌的定位有着更加时髦玩味之态。里卡多·提西(Riccardo Tisci)总是在不断挑战数码印花的可能性,每一件罩衫上带有部落图腾感的密集数码印花,其实是电子元件的艺术插画式组合。他在后台坦言:“这次的印花更多来自于原始的科技。”多层次街头风格季充满非洲民族印花和电子数码印花的图案纷繁交错,服装宛如三维卫星视野中的地图。虽说服装廓型依旧有些换汤不换药的意味,甚至设计师依旧执着在人像印花这个“赚钱法宝”的身上,但新型的条纹和男模出众的非洲妆容依旧让Givenchy成为巴黎男装周的一道亮色。作为莎拉·伯顿(Sarah Burton)产后复出的首个男装系列,Alexander McQueen本次用缠绕的黑色蕾丝花纹包裹出品牌的经典骷髅标识,取材于服装部分的印花造成了错视效果。来自 Christopher Kane的系列同样以印花取胜,这一季科技元素以略带复古感的3D图像线勾勒出人像,呈现在简洁流畅的剪裁下,有着清新明朗的轮廓。

作为色彩拼接大师,Walter Van Beirendonck本次以“home sweet home” 为主题,把家居印花巧妙地布置在时装上,不失风格又别出心裁。除了将家中角落的场景水平线作为西装剪裁分割线,最巧妙的就是不时从平面印花中凸起的立体装饰:比如说花瓶的位置被巧妙地放在胸口袋处,而探出头来五彩小花就像是一个另类的口袋巾。配饰同样藏了不少有趣诙谐的小点子,看看鞋子上的图案正是这位安特卫普大师又一个童心未泯的玩笑。

糖果男孩

一眼望去这个春夏色彩缤纷的男装周,大有文艺清新的糖果男孩攻占世界的感觉。14春夏系列作为Burberry Prorsum男装回归伦敦的首场发布,大量高饱和明亮色泽的出现,像是为男装周拉开了一个缤纷的序幕。在这个名为“作家与画家”的系列里,波点、条纹、清新色彩穿插在没有过分纤细的廓形。虽说初见单品有些“简单”过了头,甚至让不少评论家讽刺它很像H&M此类高街大众品牌,而系列中这些对于色彩百炼钢化成绕指柔的巧妙手法显而不是高街品牌的水准。有时设计的单品简约何尝不是造福大众?紧跟着的Paul Smith也有着这种糖果文艺气质:跳跃色泽的外套与合身长裤显而让男人也可以“减龄”。如果买不起Burberry,相信秀场上的造型对于每一个男生日常穿搭都有着不小的启发。Marc Jabobs的“跳进糖果店”系列显然就对人有些挑剔了,如何让人在一身马卡龙色系的西装套装里看上去没那么油头粉面,显然是对穿着者一个不小的难题。

同样以缤纷高饱和色彩出位的还有Raf Simons,他依旧沉浸在充满安迪·沃霍尔式的60年代现代艺术里,缤纷的撞色让人颇感眼花缭乱。系列中长款裙式POLO衫,涂鸦印花上衣和看起来像裙子实则是短裤的“裙裤”无一不浸透着深深的波普气息。街头涂鸦到了Raf Simon的手中,不再是Hip-hop式的少年情怀,那一条条印成广告标志的类连衣裙让模特们看上去像是杂货店,或是超市中的大号公仔。没人可以否认,这一季Raf Simons“娘”出了自己的风格,那是一种调皮而跳跃的少年情怀。同样调皮的还有在伦敦男装周发布的中国设计师周翔宇的同名品牌Xander Zhou,一众古怪的设计里它依旧有着自己独有的糖果色可爱。无论是风衣还是卫衫都配合了短到不能再短的小短裤,橡胶质地的围裙与马卡龙色系衬衫也有着奇妙的化学反应。配饰同样是非常精彩的部分,除了力邀好友设计鞋子与配饰,周翔宇亲自操刀的浮雕电脑包那份精巧又酷劲十足的设计绝对可以入围今年男装配饰三甲。

自比尔·盖登(Bill Gaytten)接任约翰·加利亚诺(John Galliano)成为Dior主设计师以来,媒体与观众一直对他的作品持有保留意见。温和中庸的比尔显然不如加利亚诺会讲故事,但几经磨合,比尔也在此次的男装T台上找到表达的适合方式,这个系列围绕“打破原有轮廓”的理念,任每一件单品堆积、精简、重组。搭配着模特们轻快的步调节奏,九十年代风格的街头潮流中大版廓型上衣外套频频出现。而造型凭借珊瑚红、明黄、宝石蓝的鲜明色调,又足够让人眼前一亮。设计师高桥悠介(Yusuke Takahashi)作为Issey Miyake男装首席设计师的第一份作业,他运用日本传统的印染工艺,格纹、渐变的图案成为整个系列的主旋律,而鲜艳的色彩和泼墨式的印花让Issey Miyake的禅意时装有了更加活泼的一面。

探险之旅

运动元素作为本季男装的一大趋势,已经渗入到男装周的每个角落。除了休闲装中必不可少的些许运动因子,就连不少传统正装也不时加入许多“户外”风情。就在上一季,西装加运动鞋的搭配破天荒的红了一把,而这一季短裤的身影又在T台上无处不在。不知道是不是近年全球夏日温度升高,设计师也开始体恤起这些在热天着长西装裤的男士们。短裤这个结合休闲运动的不二代表,本来是远远被隔离于正统男装的天下,却又在本季开始成为了每一个设计师的心头好。但究竟是为了让男士更加舒适还是为了让男性的肉体也成为假日风景线?设计师们的心思确实有点难以猜到。Jil Sander可以算是 2014春夏短裤狂潮中的“小清新”,系列中有着清新淡雅的拼接,简约廓形完成优雅风格。而阔腿及膝短裤搭配西装的造型确实有着非常高的实用程度。在Lanvin的秀场上,贴身短裤配合优良裁剪的上衣没有过多装饰,却有着不一般的洒脱品味——同样前者还可以显现出男性健美的腿部线条,只怕会让街上的女士喷鼻血。而Sibling与Versace则有着更大“消费男色”的倾向,或许是为了提高秀场的可观赏性,运动装不再只是意味着那些绿茵场上浸满汗臭的衫袜。在这里,条纹或是裤脚收口的细节突出的更像是一种招摇。那些镂空网衫和“上下”中永远缺一件的搭配们恐怕会让观众们不停走神。而在伦敦时装周这个从不循规蹈矩的地方,蕾丝、印花雪纺、透视、中空短衫这些浪漫性感十足的元素出现在Astrid Andersen的系列中,一众肌肉猛男身上以这些女性化角度入手融入冲突的运动风格倒也是一种精彩的怪异。

自然,秀场上不能没有踏踏实实走着“探险”路子的品牌。Salvatore Ferragamo Menswear 就秉承了这种阳光的探险运动气息。创意总监马西兰米诺·乔尼蒂(Massimiliano Giornetti)本季选用橙色、蓝色等清爽色彩融入带有巨大数字的无袖衬衫和束腰上衣中,创造了动感清新的活力造型。在巴黎,自吉姆·琼斯(Kim Jones)在2012春夏加入Louis Vuitton以来,开辟服装系列只有短短十余年的Louis Vuitton男装越来越年轻化,而主题也是一路秉承着品牌的旅行探索精神:撒哈拉、航海家、登山探险等赢得赞誉的系列后,本季将灵感锁定横跨美国东西部公路的潇洒之旅。而依旧由男装创意总监琼斯独挑大梁的男装秀,带领众人进行了一次横跨美国东西部公路旅行。秀场上有着木质谷仓框架的T台背景、R.E.M的音乐,在这个故事里 ,男人们拎起行囊,远离喧嚣的都市,开始一段自由的旅程。 琼斯无时无刻不忘记他的主题--为探险中的男人创造帅气而便利的时装:飞行员夹克、有着迷人手工扎染的外套、学院风校队制服看似信手拈来却暗藏考、焦糖色系的清爽色调与丝绸等材质呼应简单而随性。而一如往常的奢华充斥Louis Vuitton每个细节,先不说那些和服丝绸面料,每一件看似简单的夹克衫都由哑光鳄鱼皮缝制而成。由其是那件黑色晚宴西装上闪光的Monogram标志,细看之下才发现是细小的珍珠贝母。在中国,不少人认定Louis Vuitton的标志已经沦为一种暴富却缺乏品味的符号,而此次秀场上虽出现了不少Damier棋盘格与Monogram符号,却有一种更加低调优雅的姿态,不少秀场上的造型可谓十分值得借鉴。

面对大热的户外风格,身为时装吸金主的品牌们自然也不会放弃这个机会。3.1 Phillip Lim虽然做了一锅风格大杂烩式的系列,却又无处不展现了一种布鲁克林男孩的街头运动感。在面料上下足功夫的无袖帽衫和多材质拼接的单宁长裤看上去随意却品质优良,而加入拼接元素的皮夹克少了摇滚气息多了些运动风情。格仔作为绅士与街头男孩的中和大量穿插在设计中,细节加入了许多运动式的抽绳包边处理,看上去有几分睡衣的随性。而Topman作为高街代表,在本季大推骄傲的街头贵公子形象,系列中刺绣遍布丝绸衬衫,棒球外套和西装衣领上,并为他们搭配了金色腰带和阔腿裤。

异域风情

旅行和探险一向是设计师们获得灵感的一大途径,将世界各地的风土人情带回秀场,进行一次T台旅行,也是每一个观众喜闻乐见的事情。异域风格的元素在一开始更多出现于女装,而本季中,男装设计师们显然也发现了不少异域地区中的男性魅力。

Etro的花纹可以说是异域风情的绝佳代表,这个季度设计师从1975年,阿兰德龙主演的意法合拍片《佐罗》(Zorro)中获得了大量灵感,让那位出自约翰·麦考利笔下虚构蒙面侠成为迄今不衰的传奇英雄成为秀场的缪斯,系列从墨西哥传统服饰中汲取灵感,材质一如既往考究精致。而Etro最经典的花纹为这场浓郁的墨西哥风情更添了几分迷幻色彩。近几个季度在男装中热度迅猛上升的KTZ则塑造了来自中东的街头暴乱分子形象。图腾、地图,还有颇具特色的建筑装饰纷纷出现,每一位模特更是有着典型伊斯兰教式的包裹头巾造型。简单的异域风格显然无法满足西太后的胃口,虽然在她的最新系列里我们可以看到不少松弛廓型的长衫与异域印花,但这依旧是她通过设计表达政治言论的一种表象手段。此次春夏她以将涉嫌向维基解密泄密而被拘留1000多天的美国大兵布拉德利·曼宁(Bradley Manning)作灵感,设计了一系列涂鸦口号式的服装,不少单品出现了军帽以及”TURTH”字样。

尽管由于拒绝加入意大利时装商会,Dolce & Gabbana并未出现在本季米兰男装周官方日程表上,但这件事情并不妨碍品牌照常开秀。高调二人组不仅要作秀,还要选开幕第一天,显然他们的眼里跳出时装周让自己安排时间来得更自由。秀场的邀请函就透露了本次的信息:从上面绘制的建筑来看,这出没完没了的西西里长剧暂时还没终结的意思。不知道是该说他们眷恋故乡也好还是压根不在乎世界上的其他地方,西西里已经被Dolce & Gabbana从各个角度挖得淋漓尽致。不过十几季下来,从男装女装哪怕到最新的高级定制,再好吃的盛宴也会乏味,14春夏男装系列几乎与上一季有着同样剪裁与廓形,只是印花图案换成西西里古建筑元素。虽然那依然是一片我们不甚熟悉且颇具魅力的土地,一次次在时装上看到不同模样的它也会让观众们在消退精细后摸不着头脑,难道设计师是想通过这些系列向人们传达一个信息:“比起设计师,我们更想做故乡的旅游代言大使!”

更加没头脑的秀场还有DSquared2在本次米兰男装周里的迷途丛林探险。 DSquared2能把任何主题都玩得挑逗诱人,收纳时装周上“最销魂鲜肉”就是这俩兄弟的最大贡献,没人能说清楚,这是一次时装发布?是一段满足设计师私欲的表演?还是一台丛林舞台剧。总的来说每一个看过秀的人都不记得这场秀有过什么衣服,如果有的话也只是那些水花飞溅下的内裤。而不管怎么说,这场结结实实的热带澡堂秀已在整个男装周期间吸睛无数——如果是为了扩大商业时装发布的宣传效应,它无疑是最成功的。

 

(文 Article > 李阳 Li Yang ;图 Picture > 来源于网络;编辑:九月)
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奇异世界,你害怕吗? http://www.artdesign.org.cn/?p=10542 http://www.artdesign.org.cn/?p=10542#comments Wed, 14 Aug 2013 08:47:43 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10542 “那天雨后,我在你家后院的篱笆上摔了一跤”、“谁可以戴着它们过飞机安检?”这是今年伦敦男装周上,大家看过新锐设计师Craig Green的“篱笆怪兽”装后的吐槽。但无可否认的是,这位毕业才不足一年就赢得了Fashion East赞助的年轻设计师,俨然成为了“怪诞伦敦”的新生力量。

“磁带怪兽”

早在他的2013 年春夏系列中,他的“怪兽”风格就有征兆,受民谣故事的启发,他创作出一个缠绕着磁带的巨大怪兽:异教徒集会的影像带给他许多神秘仪式感的配饰与道具。宗教服饰、建筑、甚至是侍女的制服都成为了Craig 幻想中的一部分,将这些统一的时装造型与木栅栏面具结合,是因为他想创造一个旧时代行李的搬运者与流浪汉的综合体。这些符号在他看来充满了宗教朝圣的意味,又有着抽象而险恶的轮廓。Craig 的时装有时像是一个巨大的机械工程,拥有着艺术家式的符号哲学与建筑师般的空间感。在安特卫普设计师Walter Van Beirendonk 门下实习后,他的创作更多了几分戏虐和新奇。无论是为 《ARRRGH!Monsters in Fashion》展览所设计的展览视觉形象,还是前不久刚刚为他赢得New Era 大奖的头饰设计,都是Craig脑中那个怪诞幻想世界的产物。

Craig 喜欢用“粗旷的男性气质”形容自己的设计,很多衣服都有着粗糙的边线凸现着未完成的叛逆。事实上这些看似不修边幅的裁剪绝非是信手拈来,不少细节有着极为出色的手工技艺,服装上的条纹图案均是由设计师手绘完成。Criag 所有系列中玩的最过火的一次:巨大的碎木板随意铺在人的脸上却依旧不影响整体造型的平衡感;同时让系列中概念性和实穿性并行,这才是一份怪异之外的“真本事”。

7 年前的Craig Green 刚刚进入圣马丁,那时他想成为一个涂鸦艺术家或是雕塑家,却无意进入了女装设计系。当时他对自己设计的能力还没那么有自信:“我设计的女装并没有那么适合女生,我没有办法创造看上去漂漂亮亮的东西,或许是因为我有些笨拙,不了解女人。”事实上,他的本科毕业设计早就引起了著名杂志《Dazed&Confused》的注意。在硕士课程开始的时候Craig 决定专注于面料设计和男装,他说:“虽然我在时尚圈内,但是又无时无刻不想让一切回归到艺术,我希望我的秀在某方面而言也是一场表演。”

木匠的幻想时装

出生在北伦敦的Craig,自小的成长环境中几乎没有丝毫时装的影子。他总会自嘲说自己的设计是从“一个非常没有创造性,非常不时装的角度解读时装”。他的妈妈是一名护士,父亲是一名水管工,而叔叔伯伯则是一些小有名气的木匠。“我们只是一个很正常的北伦敦家庭。”Craig 回想到自己的童年,总是在木屑飞扬的小工房里把弄着边角料。而他的少年时代自然是被工匠和建筑工人所包围,因此他十分热爱亲手制作东西,这份对于手工感的爱在他众多系列中都十分突出。

“我真的非常喜欢DIY。”他说,“诞生的感觉很美妙,尤其是错误的‘正确’发生,让我有更加新颖的发现。”在他的研究生毕业设计中,一些扎染印花的布料就是在实验中偶然出现错误的结果。Craig 把诸如此类的惊喜称为“开心的意外” 。

这位怪咖设计师秉承了伦敦的叛逆时尚血脉,而这座城市也给予了他极大的灵感和支持, L’Oréal Professional Creative Award 等众多奖项绝对肯定了他独特简洁的视角和精良的手工。这位反对电子化、重视现代化的设计师又将如何开创自己独特的品牌市场呢?他一边低头敲打着几块作配饰的木片一边笑道:“我从来不爱想象我的客人会是谁,这不在我的掌握之中但却让我感到很兴奋,或许是那些对奇异世界不太害怕的人?”

 

(采访Interviewer&文Writer_李阳Li Yang;图Picture_Craig Green)

 

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离经叛道的声音——朋克时装 http://www.artdesign.org.cn/?p=10477 http://www.artdesign.org.cn/?p=10477#comments Tue, 13 Aug 2013 06:31:59 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=10477 前不久,素有“时尚界奥斯卡”美誉的纽约大都会博物馆服装学院年度慈善晚宴(Met Gala)刚刚落下帷幕,群星璀璨的着装主题自然是围绕着纽约大都会博物馆的年度展览“朋克:从混乱到高级定制”(Punk:Chaos to Couture)展开。展览包含了数百套朋克主题的相关服饰:从70年代传奇朋克乐队们自己制作的T恤,到工时过百的精美高级定制。在参与的设计师中,少不了朋克教母薇薇恩·韦斯特伍德(Vivienne Westwood)等时尚界一众叛逆大咖,甚至也有阿瑟丁·阿拉亚(Azzedine Alaia)此类向来以优雅见长的设计师。

朋克时装的萌芽

这一切都要从70年代纽约东村的传奇朋克俱乐部CBGB开始,如果马尔科姆·麦克拉(Malcolm McLaren)未曾在那里听到过雷蒙斯乐队(The Ramones)的嘶吼,那么在纽约与伦敦上演的朋克“双城记”就不会发生。这位英国的朋克青年在回到家乡后,怂恿着设计师女朋友薇薇恩·韦斯特伍德开起一家服装店。这间更名为“SEX”的时装店从来没有固定的营业时间,甚至卖不卖给你东西都要看他们的心情。店里布满了有着S&M捆绑和恋物风格的时装,韦斯特伍德像裁剪一条枕巾那样随意裁剪着T恤,再印上纳粹符号或是强奸犯的头像——这就是她最初的“叛乱者”系列。

这个古怪的店铺就像一个莫名的磁场,慕名而来的人们有男女同性恋、双性人、变装皇后,自然最多的就是朋克青年。那天,一头绿毛的小伙子约翰·罗腾(John Rotten,后更名为约翰·莱顿John Lydon,性手枪乐队主唱)来到了国王街的店铺。两位店主强迫他唱了一首艾利斯·库柏(Alice Cooper)的《18岁》,然后马尔科姆就对他说:“嘿,哥们,来给我们当主唱吧。”随即,马尔科姆一手促成了店中那些愤怒又无所事事的小哥们组成了后来名噪天下的性手枪(The Sex Pixtol)乐队,并在1975年11月6日中央圣马丁艺术学校举办了第一场演唱会。

谁都未曾想到,伴随着《天佑女王》(God Save The Queen)的旋律,这些拼贴标语T恤,红绿相间的苏格兰格纹,小刀片和安全别针组成的造型让整个英国的年轻人都陷入了模仿性手枪的狂潮之中。设计师们同样对乐手们的造型无法自拔,卡尔大帝会比划着Sid那件破洞T恤在经典的香奈儿套装上剪几道口子;渡边淳弥让模特们穿上了几乎与约翰·莱顿一模一样的马海毛套头衫。而Sid与Nancy的传奇爱情故事为时尚带来了什么?布满徽章的机车夹克、紧身裤、豹纹吊带与紧身皮裙?甚至是Sid脖子上的锁头项链,Nancy如同隔夜一般的烟熏红唇妆。

做作为伦敦朋克运动的发起人之一,韦斯特伍德成为了这场时装革命最大的受益者。她始终坚持着“挑战旧时代的英勇尝试”:苏格兰格纹、皇室元素亦或是18世纪的着装风格,旧式的审美总会在她的手中变做怪诞的混搭。她对传统文化极其尊重,却也不忘模仿嘲弄。一切的设计灵魂正是起始于朋克文化政治和美学上的反叛。除了爱给自己的时装店不停改名,这位一身反骨的设计师还喜欢对抗政府军,她曾经数次被捕——即使在今天的系列中,我们依然可以看到这位老太太在时装上写满了她不满的涂鸦。韦斯特伍德的态度成就了她的风格,女王都赐予她勋章以肯定她对英国文化的贡献。事实上,她早已成为了英国时装的无冕女皇。

时尚界的朋克大咖

朋克究竟有多大的魅力?自70年代这个字眼出世以来,风云变换的T台上就从未少了它的身影。马尔科姆·麦克拉虽然在生前扬言不介入时尚界,而他也不能否认:“朋克的声音就是时尚的声音。”朋克式的愤怒与不满究竟和针线间力臻完美的定制时装有几何渊源?恐怕最大的共通来自两者同样令人痴迷的爆发性创造力。朋克们所崇尚的“Do it youself”同高级定制所秉承的“Made to order”有着异曲同工的精神理念。1977年桑德拉·罗德斯(Zandra Rhodes)将一件礼服撕的粉碎后又以别针拼装起来。从这个时刻开始,朋克的身影真正出现在高级时装的世界。

在朋克之母薇薇恩·韦斯特伍德的理解中,如果存在一种东西叫做“建制”,那么朋克正是所谓的“反建制”。 她最为拿手的冲突装扮(Confornatation Dressing)风格与朋克概念不谋而合,衍生后正是如今时装界盛行的解构与反解构手法。坚持着解构主义的设计师们无疑都是时尚界的朋克分子。此种手法可以说是一众日本设计师的看家本领,拿朋克与解构变出新花样也在今季的秀场上比比皆是。渡边淳弥用各式撕裂的格纹图案拼贴经典的Perfecto机车夹克延续了前几个系列的经典造型;在川久保玲(Comme des Gar?ons)名为“裁剪的无限可能”系列中,大量的图案切割下面料在时装的各个部分堆积旋转,爆炸般的细节互为碎片却自成一体。同样向朋克致敬的还有沉寂已久Undercover,从肋骨T恤,无数衬衫解构而成的小礼服到缠绕绑带的无袖外套, 重组各式元素的Takahashi有几分Vivienne Westwood的影子。在设计之路上深受其影响的Takahashi,更编纂了一本当年西太后与马尔科姆最初在国王街创作朋克系列的书籍。

朋克的无限制打破精神同样体现在设计师们对于废旧材质的实验,前有Franco Moschino将垃圾袋做成长礼服,后面就紧跟着 Martin Margiela:在他手中扇子、报纸、雨伞等你所能想象到的各式生活废物都可以重新构建服装。时尚界以“不合规矩”作为唯一设计标准的只有高缇耶(Jean Paul Gaultier),易拉罐手环或是塑料一样可以成为一件高级时装。不仅仅是材质的限定,他对周遭一切的质疑成为了灵感来源。他像一个朋克一样诋毁嘲弄上流世界,混淆男女概念,或是将工人水手的制服带入秀场,他将设计比作“一种与基因的对抗。”

如今风华正茂的天才设计师们,无一不是浸淫在朋克文化中成长的激进美学主义者。在青少年时代,他们哼着朋克的调调画着草图踩着缝纫机,墙头贴满的朋克明星是他们的精神楷模。派蒂·史密斯(Patti Smith)那支离破碎的嗓音与敏感颓废的朋克女诗人气质几乎是Ann Demeulemeester暗黑风格的最佳代言。 一手缔造Dior Homme颠峰时期的艾迪·斯理曼(Hedi Slimane)曾坦言:“音乐对我来说比Dior更加重要。”因此他将柏林朋克们的装扮融入设计,再请来皮特·多赫提(Pete Doherty,浪子乐队主唱)来代言Dior似乎是件再自然不过的事。刚入主Saint Laurent后,艾迪又发动大阵仗搞起“圣洛朗音乐项目”(Saint Laurent Music Project),请来各路摇滚大咖们穿起最新秋冬系列登上广告硬照引起本年度时尚与音乐界的大话题。

90年代的亚历山大·麦昆(Alexander Mcqueen)是个不折不扣的朋克“坏孩子”,撕裂、裸露、捆绑等元素在服装中比比皆是。著名的“高地强暴”(Highland Rape)系列就是对朋克的无上致敬,而在2008年秋冬系列里,伦敦朋克运动中标志性的女王与米字旗图案也繁复出现。里卡多· 提西(Riccardo Tisci)从来不掩饰自己对朋克的痴迷,他将超大号的铆钉带入了Givenchy的高级定制系列,而“破坏”“重组”等元素的运用也让他重新为这个优雅的品牌带来更多叛逆的意味。这些走在时装路上的朋克小青年们,喜欢破坏服装原有比例,重塑反叛的古典美学恰恰是设计中的“无所顾忌”的朋克精神作派。

虚妄的爱恨情愁

朋克最初的灵感来源,大多是用现有的东西,秉行DIY原则重新组合而出不同的含义。因此这些装扮有着华丽摇滚、异装癖、SM、飞车党、光头党等众多亚文化族群的影子,在撕烂、拼贴、夸张手法后拥有了独树一帜的文化专属标记。经过数十年的发展,朋克的衣着随着不同的音乐分支而呈现出不同的特色。人们固有观念中的朋克装扮少不了安全别针、铆钉、徽章及加入的S&M捆绑皮革元素,自然也包括五颜六色的莫西干头与刺青。具象化的朋克标志也同样在今秋的T台上无处不在:Guy Laroche就在系列里加入了大量的捆绑元素皮革抹胸与渔网透视裙装;而Fendi则用艳丽的蓬松皮草打造出时尚版的Mohawk发型配以桑椹紫唇,与之呼应的是皮草外套上那些亮色皮草嵌条。

在时装设计师的手中,回形针或铆钉少了原本的暴戾尖锐,摇身变为硬朗的高级装饰。1994年,英国演员伊丽莎白·赫利(Elizabeth Hurley)身着Versace的黑色安全别针裙出席《四个葬礼与一个婚礼》的开幕仪式,这条性感裸露的包身裙在两侧仅以几个巨大的别针连接。这条被媒体誉为“That Dress”瞬间让赫利与Versace名噪一时,在2007年,这条著名裙装复刻版的售价为10690欧元。至此以后,摇滚式性感也真正成为了Versace的标志。这个季度Donatella显然要让朋克的灵魂全面复苏,她甚至称这个系列为“Vunk”。因此不对称挖洞的紧身乙烯裙装上布满了巨大的尖刺与别针,有着冰冷尖锐却又不可抗拒的性感。

我们不得不认同,从时装到珠宝,朋克在奢靡的时尚高端化进程里早就与本源中叛逆的“反商业”本性渐行渐远。新时代的朋克高级时装设计更加细致,有着完美的工艺和让人诧异的价格——件售价千余镑的皮夹克就是当年雷蒙斯乐队录制第一张整张唱片一半的价格。而Met Gala上明星们的朋克主题装扮迎来了不少负面的声音,就连著名时装评论员苏茜·蒙克斯(Suzy Menkes)也认为这个举动有些愚蠢。“朋克”这个词语并不适合社交场合,甚至在某种意义上来说这恐怕也是真正的朋克们所不屑的生活,人们怎么能指望这些脸上注射肉毒杆菌,沉迷在千篇一律的人工美的名媛们拥有离经叛道的态度? 朋克式的着装是否真的就能意味着朋克?还是说如今的朋克仅仅是万千流行趋势中一个囊括风格的简单词语。无怪乎不少朋克的追随者会认为朋克在如今早已本末倒置。除了如艾薇儿之类的流行歌手染彩头发套上皮夹克吼着“伪朋克”式的小调,美国版《ELLE》编辑凯特·兰菲娅(Kate Lanphear)动辄上万的朋克风格着装引发的街拍热潮,“朋克不死”的口号是否只是留下了这种文化所带来的商业价值?

而本次展览的策展人安德鲁·波顿(Andrew Bolton)更希望人们能以概念的角度去解读朋克时尚,他说道:“自打朋克诞生的那一刻,这种亚文化对时尚有着煽动性的影响力。尽管朋克的民主性与时尚所强调的阶级相对立,但这并不影响设计师去捕捉这种文化中反叛年轻的一面。当朋克与时尚相结合时,所有的规则都会被打破,而在此之后,一切都有可能发生。”朋克就如同时尚躁动不安的青春期,设计师们化其戾气而保留其中的暴力美学,而朋克精神同样鞭策着创造力至上的时装,如果少了那份敢于打破一切的态度,T台上的一成不变恐怕只会让你我大呼无聊。

 

(文 Article > 李阳 Li Yang ;图 Picture > 纽约大都会博物馆、部分图片来源网络 The Metro Politan Museum of Art, Internet;编辑:九月)

 

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帕森斯舞团: 阐释与谢绝阐释 http://www.artdesign.org.cn/?p=9918 http://www.artdesign.org.cn/?p=9918#comments Wed, 10 Jul 2013 04:56:55 +0000 ArtDesign http://www.artdesign.org.cn/?p=9918 帕森斯舞团是由美国编舞家大卫·帕森斯和照明设计师,托尼奖得主霍维尔·宾克利于1985年共同创立的,总部设在纽约。早在上个世纪,帕森斯舞团就将现代舞的舞台表现和视听艺术紧密地结合在了一起。2013年5月在中国巡演的《爱的记忆》,由大卫·帕森斯执导、霍维尔·宾克利和奥斯汀·思嘉分别担任灯光和服装设计,在复杂的数字照明和舞台视频投影中将古典歌剧咏叹调、摇滚和现代舞结合,是帕森斯舞团创作史上最被推崇的经典作品。

一片漆黑中,罗伯特·弗里普没有旋律的电子乐响起,独舞演员开始慢慢引导观众进入舞台营造的奇幻状态。《爱的记忆》前面这段引子,是帕森斯舞团早期的代表作《捕影》。从上世纪八十年代开始,帕森斯就惯于利用高强度白色聚光灯的快速频闪,配合舞者的连续弹跳和快速移动,造成人体在空中悬停和飞行的效果。重音、灯光与被瞬间捕捉的画面展现了一个完全失重和虚幻的时空。在剧烈的光影变幻中,完全不知道演员接下来会出现在舞台的哪个方位,这让所有观众都兴奋得屏息以待。这部表演难度极高的作品,还对演员有这样的硬性要求:在五分钟内连续做出上百次高难度的跳跃动作,并于整个舞台空间内准确、快速地完成移动——这种像机器一样的动作表现力要求,和视听一样,是帕森斯的视觉冲击盛宴重要的组成部分,也是帕森斯可以俘获观众注意力的必杀技。

师承的力量和桎梏

年逾50的大卫·帕森斯如今仍然掌管着由其一手创办和经营了近30年的舞团。与当今的现代舞普遍关注现代人生活中的沉重、压抑、孤单与恐惧不同的是,帕森斯似乎毫不犹豫地放弃了使命感,而把“燃放着青春欢愉的生命力的舞蹈风格、舞蹈的乐趣和更广大的感染力量”视为最重要的原则,一副“效果至上”的唯物主义情怀。这种显著的热情风格,与帕森斯一段至关重要的经历不无关系。

1978—1987年,大卫·帕森斯曾师从当代美国现代舞的领军人物保罗·泰勒。保罗·泰勒1930年出生于匹兹堡,求学于著名的茱莉亚音乐学院,舞蹈具有纯粹的美国风格,是世界现代舞第三代公认的大师级人物,德国的皮娜·鲍什、中国台湾的林怀民无不受其影响。帕森斯在泰勒名下的舞团担任过主要演员,并在泰勒为其量身定做的《阿登的城堡》(Arden Court)、《最后一眼》(Last Look)、《玫瑰》(Roses)等作品中挑梁演出。在泰勒麾下的九年,泰勒舞蹈极高的能量、体力、高难度技巧上的自如表达,这些使现代舞保持生命力的精髓都被帕森斯完整地继承了下来,并直接影响了帕森斯深层的创作理念和对激情四射的舞蹈语汇的偏好。

有趣的是,泰勒也曾作为资深演员加入过现代舞第二代大师玛莎·格雷厄姆的舞蹈公司,并工作了七年。与看重“破”而重立的许多实验艺术不同,现代舞界这种严格而幸运的师承,像中国武术的门派传承一样,某种程度上成为了造就栋梁的必经之路,使帕森斯受益匪浅。“当时作为一个年轻人,能够与这个世界上最出色的舞蹈家学习,并在他的舞团工作,是一件至今回想起来都令我感到振奋和激动的事情。”只是越有规矩的艺术,创新越难。对于一个追求自我超越的舞团来说,30年的历史和辉煌师承既可以被书写为鸿篇巨著,也可能只是一条微不足道的脚注。

从“被记住”出发

开头提到的那部时长仅五分钟的《捕影》,已经风靡世界数十年,但当它被作为“开胃小菜”献给中国观众的时候,仍然毫无悬念地征服了所有在场观众。作为舞团常演不衰的作品,帕森斯骄傲地说:“这个作品可以在很小的剧场上演,在林肯艺术中心表演的效果也很棒。许多知名的舞者都曾经挑战过这个作品。”但尽管在摄影技术发达的今天,这仍然是一部只适合于在现场观看的作品,因为观者几乎无法用照相机拍下那些连续的“辉煌”瞬间带来的震撼,也无法以动态影像留存那种极明极暗的光线对比。有意思的是,这部作品的灵感恰恰出自于摄影本身。

“很多人问我如何想到这个点子,其实很简单。我初次到纽约时的工作是担任那种需要摆出特殊动作效果的模特。因为我之前学过体操,所以可以做很多危险的动作。做模特一方面可以帮我赚钱,从事自己的艺术,而且我也不断在其中体会到摄影的“瞬间内涵”。我自己也学过摄影,还曾经为《纽约时报》拍照,所以对我而言,在瞬间获得平衡、静止的效果是很特别的。” 于是,通过连续用光线“捕捉”瞬间动作,自然而然就衍生出了这部作品。

虽然“每个人都明白这个简单原理,但是每个人都对此激动不已。”《纽约时报》的这句评论可谓正中帕森斯下怀。当被问到这部极具视觉震撼效果的作品究竟传达了什么理念时,帕森斯说他只是单纯地想做一部令人印象深刻的作品,他不屑于呈现那种优美轻盈的舞蹈作品——观众通常过目即忘——这对舞蹈演员是极不公平的。因为深信舞蹈作品也是可以让人过目不忘的,“被记住”成了帕森斯当时唯一的出发点。从这里出发,这部作品走过了近30个年头,甚至有忠实爱好者声称每年至少要看一次《捕影》。在北京上演时,舞者谢幕受到了英雄一般的礼遇,这是一般的舞蹈作品和舞者所不能获得的——这么简单的一幕,就是帕森斯当年唯一的目的。

“联姻”之旅

拥有一部一炮打响的作品,想必无论对于舞团的起步还是艺术家的信心来说,都是一件重要的事情。《捕影》之后,大卫· 帕森斯开始进行更大胆的尝试。他不拒绝任何可以丰富舞蹈的机会,与大量音乐家、舞台设计师、服装设计师甚至形式古怪的商业演出合作,并且从这些经历中对舞蹈与各种艺术形式的结合越来越驾轻就熟。与此同时,他也在不断为他的舞团寻觅最适合的搭档,2009年创作的《爱的记忆》(Remember me),就是这场“联姻”的集大成者。

在这部“富有野心”的作品里,帕森斯把威尔第,罗西尼,莫扎特,比才,普契尼,德利布,舒伯特的音乐作品带入舞蹈,由来自EVOC(East Village Opera Company)的主唱Tyley Ross和AnnMarie Milazzo与舞者在舞台上一起表演,并赋予素以抽象为名的现代舞完整的情节——一段带有悲剧色彩的传统三角恋故事。对于元素复杂的舞台作品来说,“众星拱月”是较容易掌握的方式,而通俗化的古典、摇滚化的歌剧、情节化的舞蹈以及多媒体影像,个个都是夺人眼球的“月亮”,这众多的月亮如何和平共处,是一个巨大的难题。

所以对于《爱的记忆》,帕森斯并没有选择过于复杂的人物关系,而只是利用歌剧中大量歌咏爱情的唱段巧妙地“攒”了一个爱情故事,并且除了处于爱情中的三位主演,其余七八位舞者都很少参与到具体的叙事情境中。帕森斯希望集中观众的注意力,利用清晰的架构对主题予以重点突出和强化,这对于无法诉诸语言的舞剧来说尤为重要。“我们越早知道将要看到的是什么,我们的同情则越深沉、越强烈。”

这项新鲜尝试中最难的一部分在于如何选择不同的选段以及安排它们的顺序。“兼顾不同时代的多样化风格很重要,我希望用到足够多不同作曲家的作品,更重要的是,大众对这个选段的旋律要足够熟悉。”帕森斯相信,这些用英语、意大利语、法语演唱的片段不会妨碍观众理解故事的情节。因为“舞蹈是世界通用的语言。观众是通过舞者的身体语言来理解他们的,这就是舞蹈的美妙之处。”

如同他的导师保罗·泰勒一样,帕森斯很注重作品本身的激情和可传达性,以及使观众看到和记住舞蹈中最关键的“人”。这是帕森斯对于舞蹈本质的认识,同时他也正是基于这种认识有节制地使用各种辅助艺术形式,而不是本末倒置。在谈到辅助手段之一——多媒体装置时,帕森斯坦诚地说,“对多媒体置之不理是很难的,现在任何从事剧场艺术的人都要找到与之沟通合作的方式,但要在舞台上应用得准确而不啰嗦也是很难的。”“我们花了好多人力、时间和资金来做这些设计和协调。不过要警惕的是,人们总是过于关注技术,但技术只是辅助,演员才是最重要的。谁也不会想要技术在舞台上凌驾于人。

当然,它们在制造舞台空间的幻觉上是很有效的。但是作为艺术家,必须要学会‘重建自身’。”

形式与本质

在《费加罗的婚礼》和《今夜无人入睡》的咏叹调中,《爱的记忆》赢得了全场观众的喝彩。但仍旧有不少评论家以商业化为由杯葛帕森斯舞团的跨界尝试。然而帕森斯讲求实际,晦涩阴沉从来不对他的胃口。他希望通过舞蹈,将坚强、动感、陶醉的感染力发挥到最大,认为现场效果才应该被视为检验舞台作品最直接快速的试纸。这种摩登现代的风格一直以来都是这个舞团的特色,当然也是一种成功的特色。按照《华盛顿邮报》的说法,“当艺术家的修为足以使作品自成一体的时候,就无需苛责它的商业化了。”

艺术作为凝结人类情感最有力的形式,作为生活的最典型化产物,在表达人类共同经验的时候是息息相通的。根据多年的舞台调度经验,帕森斯用自己的作品进行了具有突破性的实验。在《爱的记忆》中,歌者与音乐一起推动故事前进,在男主角一段表现内心痛苦的独舞中,主唱甚至直接近身贴在舞者身边清唱,每一句旋律都与舞者的动作吻合;在另一段双人舞中,当男女主角各自经历复杂的情绪最后走向对方时,一直在舞台一端尽情歌咏的男女主唱也拥抱了彼此,整个舞台画面和谐,情绪饱满。观众通过熟悉的旋律与艺术形式之间的张力对作品主题产生了更深的共鸣和理解。

但帕森斯非常清楚,形式永远不会大于内容,比如他也并不认为自己的这部作品因为在舞台中融入了歌手演唱而成了音乐剧。“虽然演唱者提升了整个故事的氛围和情绪,但他并不是剧情的中心,而只是‘画外音’,就好像是司仪在整部晚会中起到的主持作用。”这位游刃有余的“野心家”甚至对百老汇的音乐剧不以为然,认为其因循了过多程式而丧失了新鲜性。“我希望为公众提供不一样的舞蹈,以与众不同的新形式体现新的想法,与这个富有活力的时代产生联系。这部作品之所以不同于百老汇的音乐剧,就在于它的艺术形式更纯粹,情感更直接,更具体,更浓郁。这是我真正想要获得的。”如果说帕森斯具有什么“野心”的话,这就是他野心的基础——“当众生欢愉的时候,艺术天堂的图景无需赘述。”

 

(文 Article > 李琳 Jophia Li 图 Pictures > 帕森斯舞团 Parsons Dance Company;编辑:曾莉莉)

 

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